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艺术论文题目
2.陕北民歌的艺术特色
3.陕南民歌的艺术特色
4.青海花儿之我见
5.秦声初探
6.秦腔音乐特色
7.老腔艺术初探
8.长安乐鼓探究
9.声乐小组课利弊谈
10.如何构建合理的音乐课堂模式
11.声乐演唱发展多元化
12.《xxx》作品分析及美学特点
作曲家作品风格及特点
14.(不同时期)某一时期声乐作品风格特性
15.戏歌初探
16.高师声乐教材民族化与本土化的回归
17.欧洲歌剧与中国戏剧的异同
18.论歌唱中的legato
19.论声音造型与音乐艺术构思的表现
20.谈个性化声乐技巧在歌唱艺术表现中的作用
21.论歌唱呼吸的艺术运用
22.共鸣训练对声乐技能发展的意义
23.论歌唱情感的艺术表现
24.试论良好歌唱心理的培养
25.论歌唱中的紧张与放松
26.论声情并茂
27.论字正腔圆
28.论“十三辙”与歌唱的民族风格
29.论民族声乐艺术传统的继承
30.试论五四时期中国艺术歌曲的音乐风格及演唱特色
31.从中国歌剧的发展谈歌剧的民族化
32.试论民族歌剧音乐风格的构成
33.浅谈美声唱法的民族化
34.《某歌曲》的艺术处理与声乐表现
35.论宗教题材声乐作品在欧洲传统声乐文化中的历史地位
36.简述宗教题材声乐作品的演唱风格
37.德国艺术歌曲的特点及表现
38.舒柏特艺术歌曲风格与演唱刍议
39.浅谈舒伯特艺术歌曲的音乐特征
40.试论普契尼歌剧咏叹调的艺术特征
41.试论莫扎特歌剧咏叹调的音乐风格
42.试论合唱中色调与协调的辩证关系
43.论童声合唱训练的特殊规律
44.论指挥语汇在合唱艺术表现中的作用
45.谈变声期的生理保护与声乐训练
46.声乐教学中技能教学法与形象教学法之比较
47.声乐集体课教学的问题与对策
48.试论某歌唱家的演唱风格及艺术特色
49.论欧洲艺术歌曲的风格及演唱特点
50.如何将声乐学习作为音乐文化的积累
51.浅论合唱音色变化在作品中的具体运用
52.浅谈三声部合唱作品在艺术师范教学中的适应性
53.浅谈中国合唱发展的群众基础
54.浅谈地域音乐特征在其民歌合唱作品中的表现手法及运用
55.浅谈演唱和声性合唱作品时声部音色的运用及要求
56.浅谈演唱复调性合唱作品时声部音色的运用及要求
电影艺术论文
摘要：电影是一种融合了听觉、视觉的现代艺术形式，其中融合了幻灯放映技术、活动照相技术，是一种连续的影像画面。在现代电影当中，声音是一个至关重要的元素，电影中的台词、音乐等，对于电影故事情节的发展和情感的衬托，都具有重要的意义。因此，在电影创作当中，后期声音艺术创作是一项重要工作，对于整部电影成功与否，会产生直接的影响。基于此，本文对以声音元素的选择与组合为视角，对电影后期声音艺术创作的思路进行了探索。
关键词：电影后期；声音艺术创作；声音元素；选择与组合。
电影艺术是当前一种十分常见的视听艺术，融合了声、光、影等多种元素。在现代电影中，传统意义上的录音概念，经过不断的延伸和发展，已经形成了电影声音艺术创作。电影声音具有十分广泛的内涵，包括了客观的物理特性，以及欣赏主体在心理、生理上的感觉。其中，声音设计和技术制作都是重要的工作。相比于一些电影技术较为发达的国家，我国在电影后期声音艺术创作方面，由于发展起步较晚，因而仍具有较大的发展空间。声音元素的选择与组合，使电影后期声音艺术创作的重要途径，对于电影的整体艺术性也有着重要的影响。
一、电影的主要声音元素。
人声、音乐、音效，是现代电影中最主要的声音元素，在声音艺术表现当中，三种元素相互交错，共同构成了电影的听觉艺术，在电影后期声音艺术创作中，对这三种元素进行主观化选择，并进行有机的结合，共同形成电影声音艺术。
（一）人声。
在现代电影当中，人声是最主要的声音元素之一，主要包括了独白、旁白、对白，以及表达人物情感的各种声响。从概念性的方面理解，人声指的是演员通过发声器官，发出包含感情信息、描述意义的声音，除了具有表意功能之外，也能够对人物的个性特征进行塑造。具体来说，独白通常是画外音的形式，以第一人称的口吻，对剧情进行叙述，能够对角色潜在思想活动进行过主观表达。旁白也是采取画外音的形式，以第一人称或第三人称，对剧情进行叙述，主要是以理性、冷静的角度，表达对人物、事件的态度。对白是最主要的人声表现形式，通过人物之间的对话，对剧情、思想进行表达，推动剧情发展。
（二）音乐。
在电影画面中，音乐的存在形式可以是无源音乐，也可以是有源音乐。其中，无源音乐，指的是在画面中无法找到声音来源，通常是在电影后期声音艺术创作中，由作曲家原创的音乐，是一种直观化的声音元素，主要作用在于对人物内心进行刻画，对情绪情感进行渲染，对场景分为进行烘托。例如在经典电影《角斗士》、《红河谷》、《天堂电影院》、《教父》等影片中，就大量运用了无源音乐，在观众脑海中留下了深刻的印象。有源音乐指的是能够在电影画面中找到来源，例如电影中的酒吧、戏院、电视、留声机等演奏或播放的音乐。例如，在《肖申克的救赎》中，用监狱广场喇叭播放莫扎特的《费加罗婚礼序曲》，衬托人性的可贵。
（三）音效。
电影中的音效主要包括了拟音效、动效、环境音效等类型。其中，拟音效、动效等，通常在电影后期声音艺术创作中，对声音进行自然采集或人为添加，再进行变形处理，得到需要的音效，能够对声音的艺术真实进行体现。环境音效则是在电影背景层面上，社会环境、自然环境发出的声音，能够对地域特征、时代特点、时空关系进行表达，带给电影更高的真实感和现实感。电影中的音效，具有可感、具体等特点，通过合理的选择和应用，在影片叙事中进行纳入，让观众感受到更加真实、自然。
二、电影声音的主要特性。
电影声音具有较为广阔的涉及范围，同时也具有明显的特征，其中主要的包括了物理反特性、心理特性等。物理属性是电影声音自身具备的特征，合理的进行运用，对于电影艺术效果有着良好的烘托和营造作用。观众在观看电影的过程中，通过接受不同的声音，会产生不同的心理反应，进而更好的进入和理解电影剧情。
（一）物理特性。
从物理学的角度来说，电影是由声波、光波相互交织形成的。声音实质上是声波，是一种机械波，由振动所产生，声波的性质，则是由振动的周期、幅度、频率所确定的。在介质当中，声音的能量传递形式是波，在单位时间内，声波通过垂直方向单位面积的声能越大，就会产生越高的声强，传递能量对声音强度具有决定性作用。在介质当中，声音的传播具有独立性、方向性。在一定条件下，还会发生衍射、干涉、反射等变化。因此，从物理学的角度分析，声音不同的振动频率、频率组合，是以波的形式向人传递，人们感受到声音的.音色、音调等，都是有声波振动的传播特性、频谱特性、频率大小等决定的。因此，在电影后期声音艺术创作当中，对声音元素的这些传播规律、物理特性进行理解和掌握，并进行合理的选择和运用，能够进一步提升电影的艺术效果。
（二）心理特性。
人通过耳朵接收声音，进而会引起人们相应的心理变化，因此可以认为，电影声音也具有一定的心理特性。不同的观众由于具有不同的经验体验，同时在传播条件、传播客观规律的影响下，人们可以产生不同的心理效应。对声音的心理特性进行了解，对于电影后期声音艺术创作具有重要的意义。录音师通过对各种声音元素进行主观的创作，对观众的情绪需求进行满足。在电影后期声音艺术创作当中，需要了解和熟悉鸡尾酒会效应、掩蔽效应、多普勒效应等声音常见的心理效应。人们在日常生活中，当同时存在多种生源的时候，人们会有意识的听某个特定生源，从而对其它声音进行忽略。有时人们由于一种声音的存在，另一种声音会变得模糊或消失。当观察者静止不动的情况下，声波从声源向观察者靠近或原理，音调也会相应的变高和变低。如果声源静止不动，观察者移动，也会产生相同的效果。在电影后期音乐艺术创作中，对这些心理效应加以运用，能够有效的提升电影效果。
在电影声音艺术创作当中，主要包括了前期阶段、同期阶段、后期阶段等不同阶段。其中前期阶段主要是抽象的构思与设计，同期阶段主要是客观的记录与还原，后期阶段则是主观的选择与创造。后期阶段是电影声音艺术创作的重要阶段，也被称为组合阶段，在这一阶段，声音、影响通过良好的组合，共同形成了电影完整的艺术形态。
（一）前期阶段。
前期阶段主要是一个准备过程，以抽象的构思为主。录音师和导演开始对声音艺术进行构思，并进行记录。从总体上把握声音设计的线索和影片故事背景相符合。部分类型影片的声音创作从前期准备阶段就已经开始，例如很多影片中所使用的非语言声音，在人物设定成型之前，声音的创作就已经开始。
（二）同期阶段。
同期阶段主要是拾音的过程，以客观的记录为主。录音师选择相应的麦克风，通过合理的角度、方式、麦克风数量等，对现场声音进行真实、客观的记录，确保得到最优的收音质量，为后期的声音制作提供依据和基础。同期阶段的主要特点是通过客观的记录，对现实进行还原，在这一阶段，对电影录音技术性含量具有很高的要求。
（三）后期阶段。
后期阶段是电影声音艺术创作中最为重要的一个阶段，要对同期阶段获取的声音素材进行选择和加工，同时需要主观的选择非同期的人声、音乐、音效等声音，并巧妙的进行组织。对于一些电影的制作来说，后期声音创作阶段，甚至要比拍摄阶段更长。后期声音创作，通常在粗剪阶段就已经开始，后期人员对声音进行收集和录制，从声音数据库中选择相应的声音素材，或是针对电影创造独特的声音。在将要完成剪辑的时候，录音师、导演、作曲家针对画面对音轨进行建立，对声音元素进行组织。在电影声音制作当中，后期声音创作阶段是最终的环节和步骤。在这一阶段，需要录音师、作曲家、导演之间实现良好的配合与合作，通过声音元素的合理选择与组合，创造理想的声音艺术，从而对电影的气氛进行营造，对情绪进行渲染，对人物刻画，推动电影叙事进展。
四、电影后期声音艺术创作中声音元素的选择与组合。
在电影后期声音艺术的创作当中，声音元素的选择与组合，是一个十分重要的手段和方式。通过对各类声音元素特性的充分了解，根据电影情节发展，对不同的声音元素，进行科学、合理的选择与组合，从而使电影达到更好的艺术效果。
（一）声音元素的选择组织方法。
人们在看电影的过程中，生理及心理活动与电影之间具有实时的联系，在电影主观化设计的艺术真实刺激下，又会发生动态变化，与观众自身主观性的认同、感受、选择相关。在电影后期声音艺术创作中，通过创造处的艺术真实，带给观众真实感，具有重要的意义。在电影后期声音艺术创作中，声音元素的选择组织是一项重要工作，主要包括了声音特写、声音变形、声音喻示、声音转场、声音静默等。在声音特写中，主要是对人声、音效进行处理，例如在《杀死比尔》的片头黑画面中，利用女人哀鸣、连续、急促的喘息声，体现出女主角愤怒、痛苦、顽强的情感。在音效特写中，选择相应的音效进行突出强调，体现电影故事规定情景和人物心理动作。在声音变形处理中，根据人们对观影经验的认识，遵循类似律的听觉趋向原理。通过主观化的合理变形处理，使画面时空关系更加活跃，主要包括了对人声、音效的变形。声音喻示，通过运用技术与创意，对某一段音乐、人声、音效进行选择或创造，对电影剧情的发展或剧情内涵进行暗示，同时体现出人物思想、性格的变化。对声源进行合理的取舍，和人物的动作、情感之间建立联系，对观众的听觉感知进行引导，让观众能够对剧情的深刻含义进行体会。声音转场是对人声、音乐、音效的自身剪辑，和电影画面的剪辑形成同步或异步的关系，主要的方式包括声音叠化、声音延留、声音先现等方法。声音静默也是一种重要的声音元素选择组合方法，根据电影剧情的需要，适当的进行声音缺失处理，引导观众对电影故事情节的内涵进行深刻的体验和感知，对情绪情感的进展进行促进，对电影当中人物的内心世界、主观思想进行融入，常用的声音静默包括声音停顿，静默无声，相对静默等。
（二）声音元素的综合组合运用。
电影艺术融合了声、光、影等元素，是一个三维立体空间，在电影试听表意系统中，声音是一个十分重要的子系统，在横向、纵向上，由各种声音元素相互综合组合运用，形成声音总谱。各类型的声音元素相互叠置，但具有一定的规律。从理论上来说，声音是可以无限循环、叠加的，能够使声音艺术更具艺术表现力。对此，在电影后期声音艺术创作中，要对声音元素进行合理的综合组合运用。在水平方向，随着时间的运动，声音、画面相互交织，对电影发展进行推进。在垂直方向，声音、画面处于相同时空，利用不同组合模式，对场景进行展现。根据数学模型能够得出，声音元素的组合模式可以有8种，包括了单个声音元素、两个声音元素、三个声音元素的组合，此外还有静默这种特殊的声音元素呈现方式。对于人声、音乐、音效的声音元素，可以分别在不同层级进行分析，主要包括情绪渲染、意情提示、情节描述等层级。情绪渲染层级，主要是声音元素与事件叙述空间相脱离，利用声音元素的自身特质，对任务情绪情感、心理活动等进行表达，为特定场景，进行特别气氛的烘托。意情提示层级所指的是声音元素和画面事件不再相同时空，利用声音元素自身表意功能，对画面无法展现的感性思维、理性思考进行挖掘。情节描述层级，主要是在电影声音架构中，从叙事时空获取声音元素，和画面事件之间，具有同步的关系，在电影叙事声音层次中直接参与。在声音元素的综合组合运用当中，常常具有一定的规律，因此在电影后期声音艺术创作当中，要对声景律、置换律、承续律、等规律进行遵循，从而确保声音元素综合组合运用的有效性。电影后期声音艺术创造中，对声音元素的选择与组合具有一定的复杂性，因此，需要对声音元素的组合模式、架构、规律等进行细致的分析，从而取得更为理想的艺术效果。
五、结论。
在现代电影当中，声音是一个非常重要的组成部分，对于电影的人物、情节等，都有着重要的影响。电影后期声音艺术创作，是电影制作当中的一个重要环节，直接关系到电影的成败。对此，在电影后期声音艺术创作中，要对人声、音乐、音效等声音元素进行合理的选择与组合，根据电影需求达到相应的艺术效果。
参考文献：
电影艺术论文
1.1艺术经验的沉淀期。
各类型尝试的自觉时期（1992-）这一时期张艺谋已经不满足于《红高粱》《大红灯笼高高挂》式的民族的、凄美的，甚至是悲凉的作品主题了。于是这一时期出现了人对自我权益觉醒的农村题材影片《秋菊打官司》；通过一个小人物的辛酸遭遇而反映整个社会历史风貌的《活着》；完全采用非职业演员反映中国农村教育现状的作品《一个都不能少》；讲述爱情、家庭、亲情的电影《我的父亲母亲》；京味十足的都市轻喜剧《有话好好说》；退休工人与盲女间真实的社会道德故事《幸福时光》等作品。这一时期的作品并没有完全脱离张艺谋艺术片的范畴，作品中还有艺术片的影子，但这一时期的张艺谋已经看到商业和电影的利益关系了，而且他也不满足于只有口碑而没有票房的现实。于是有了他各种类型电影的尝试，甚至是喜剧，他还试图通过《幸福时光》的网上选角，来尝试商业片的运作。
1.2艺术与商业的转折时期。
商业与艺术间的游移（-）抱着各大电影节的奖杯，戴着只有口碑没有票房的帽子，张艺谋开始拍摄《英雄》，这是张艺谋第一部古装商业大片，尽管大家对《英雄》的评价褒贬不一，但它却开启了中国的大片时代，而且张艺谋也从此摘下了只有口碑没有票房的帽子。接下来的《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》继续沿用《英雄》的成功套路：大制作+大牌演员，继续着张艺谋的商业大片，票房神话。这一时期骂张艺谋的人特别多，批评指责他只注重商业利益而弱化了故事的艺术内涵。张艺谋本身似乎也认识到了这一问题，所以他拍摄了《千里走单骑》、《山楂树之恋》，一个试图说明自己还能拍文艺片的作品。也许是时代的发展，也许是电影的发展，在《千里走单骑》、《山楂树之恋》中，我们还是能看到许多商业电影的影子。这一时期的张艺谋是矛盾的，他既想符合时代的潮流，又想坚持自己的信仰。所以在这个时期既拍了商业大片，又追求着自己梦想，拍摄艺术片。
2冯小刚的电影分期及转型。
2.1热力迸发激情洋溢的成名期。
平民视角下的黑色幽默贺岁喜剧时期（-）带着初出茅庐的勇气，带着对社会现象批判的心理。冯小刚用他那特有的“京味”语调，游戏似的情节安排，呈现给我们一个个含泪笑的狂欢式作品。这一时期的代表作品是《甲方乙方》、《不见不散》和《没完没了》。这种冯氏贺岁电影独特的魅力征服了当时挑剔的观众，冯小刚用他平民视角下的黑色幽默奠定了他在中国贺岁电影中的地位。
2.2内敛反思的发展期。
贺岁喜剧到贺岁正剧的过渡时期（2000-）随着《甲方乙方》、《不见不散》、《没完没了》的相继成功，冯小刚的黑色幽默喜剧风格逐渐被大众接受。冯小刚在贺岁喜剧电影取得成功之后，在他成为著名导演之后，开始反思自己电影的发展。电影内涵因素逐渐加大，从《大腕》开始，荒诞中开始引入更多的'黑色幽默，而且小人物的地位逐渐发生变化。从《甲方乙方》开始，冯小刚的贺岁电影大多以小人物作为关注对象，电影中的主人公，大多是一些没有远大理想、宏伟事业，说话经常没有正行，但心地善良的老百姓。而到了《手机》，虽然电影并没有刻画在历史和社会的发展过程中，起着重大作用的大人物，但影片中的主人公严守一，已经是中国正在壮大起来的中产阶级中的一员了，已不能被认为是一个严格意义上的普通百姓了。这些变化表明冯小刚的视野正在不断的开放，他正在跳出自己的市民情节，将电影的创作投向更广阔、丰富多彩的社会人生。
2.3探索困惑的转型期。
中国本土电影到世界电影的转型时期（-2013）伴随着名气的越来越大，冯氏贺岁电影已成为中国电影不可或缺的一部分。冯氏幽默的品牌已然确立。可这时的冯小刚已不满足自己电影作品在中国内地奖项、票房上的成功，更吸引他的是国际的认可。于是在冯小刚推出了自己有第一部古装片《夜宴》，但是结果却是，票房没有达到预期效果，口碑更是骂声连连。在这之后，冯小刚并没有停止他的探索，《集结号》不失时机地出现了，并且获得了一致好评，票房、口碑双丰收。之后更是创作了票房突破6亿元的《唐山大地震》，冯小刚终于在自己的转型中找到了自己适合的道路。
3殊途同归———艺术与商业的结合。
张艺谋的转型之路是艺术———商业———艺术与商业完美结合。冯小刚的转型之路正好相反，但结局却一样：商业———艺术———商业与艺术完美结合。通过这样的对比，我们似乎发现了新中国电影转型的必然结果，艺术与商业完美结合的影片才是观众欣赏的，市场需要的。张艺谋与冯小刚始终在电影的高地上积极探索———无论是在电影的主题、风格、演员使用等艺术性方面，还是在电影的商业化转型方面。不管是否在拍电影，张艺谋和冯小刚始终在不断地出新出奇，而他们的每一次探索都会留下当代电影转型的痕迹。两人在中国影坛的地位，还有他们异曲同工的电影变迁之路，都在证明着他们不同风格电影下隐藏着的共同内涵，对他们现代电影转型的研究，会让更多关注中国电影的人了解到,电影的成功之处是源于电影的内在理念而不是外在的表现。
建筑艺术论文
1．1日本“纸”的运用。
2000年德国汉诺威世博会的主题为“人、自然与科技”，其中最值得一提的就是日本馆的设计，日本馆没有像通常的展馆那样注重空间和形式的表现，而是把材料和结构联系起来，把纸作为建筑材料，所有的维护结构、支撑系统均由可回收材料纸膜和纸筒构成，因采用纸质材料的关系，建筑物显得分外轻盈与雅致，真切的呈现了世博会的主题。尽管日本馆在建造中遇到一系列的问题如：更换工程师、工期耽搁、材料安全受怀疑等等，但日本馆的纸质建筑仍是建筑史上的一次跨越。其材料全部源于回收加工的纸料，在6个月的世博会结束后，这些材料将完全回收再利用，运回日本作为孩子们的教科书用纸，而被拆除的日本馆对环境产生的负担也降至最小，可持续发展的理念也得到充分发挥。
1．2瑞士“八音盒”
汉诺威世博会的瑞士馆就是把松木条作为一个情感的符号来表现整个建筑。整个建筑似一个四面敞开的迷宫，其材料完全来自于瑞士本土未干的松木条。由木方块堆积而成的9米高的“八音盒”，通过平面的穿插，纵横组合，构成了3000的`展馆。没有钉子、螺栓和粘合剂，板条之间的搭接和固定借助于钢杆和弹簧，做到了真正的生态环保。这种建筑构成方式为组装和拆卸提供了最大的方便。瑞士馆同时也将空间、声响和展示相融合，营造出一种供人丰富体验的事件性场所。在展出的几个月中，还能使一些松木条均匀的慢慢变干。这种材料的有机堆砌，可以使一些松木条仅依靠摩擦力和压力组合在一起，展会结束后，又可以轻松方便地拆除回收并用于其他建筑。这种做法不仅可以使资源合理循环利用，还能使环境的污染降至最低。
2回归世博艺术本质的道路任重道远。
世博艺术的本质是创造和谐、持续性发展的社会。建立以和为贵、以人为本、人与人相敬相爱、人与自然和谐相处的和谐世界，是世博大家庭亘古不灭的理想，弘扬世博精神成为人类的共同追求。虽然每届世博会都在朝这个本质目标发展，世博会的整体效果也越来越受人们的欢迎，但是每一届世博会都会有一些瑕疵，如汉诺威世博会中的荷兰馆，独具匠心地展示了“荷兰创造空间”的主题，将水与景观、建筑和能源的关系，通过垂直的断层堆积方法构成的空间进行呈现，将展示内容、形式和能源利用整合成一个完整的生态系统，这种创新尽管给人以全新的亲近大自然的美好感受。然而就是这座广受推崇的展馆，却在世博会结束后遭遇尴尬。原因在于它不像日本馆、瑞士馆那样能拆分，同时又因为那奇特的造型而影响了它的后续使用。于是，在经历了6个月的风光无限后，荷兰馆最终成为汉诺威世博会至今令人感慨、遗憾的话题。如今的汉诺威世博园里，体量巨大而又空荡的荷兰馆依然孤立地矗立着，显得那么刺眼。这足以让我们反思良久。
3结语。
世博会作为全球性的综合展示活动，它是把一个时代的文明成果高度集中起来，通过一个主题思想加以完善、系统化，是多元文化交流和碰撞的契机，纵观历届博览会，都要占用大量的土地资源作为场馆，而各个举办城市对展馆的后续利用方式也各不相同，有的恢复了展区的初始面貌，有的被考虑作为其他用途，有的一次为契机，改变旧城区乃至整个城市的面貌。这就要求世博会馆不应仅仅关注奇特新颖的建筑造型，而更要注重其后续发展，如是否能可持续利用，是否能减少后期的能源消耗，是否能回归到世博会最初的艺术本质中去。要回归到世博最初的艺术本质中去，理论上的提高固然重要，但是在设计上也要注重环保。“可持续发展”观念来源于生活，因此它不应只体现在设计表面上，更要体现在设计的本质观念上。
艺术论文范文
陶瓷雕塑的空间占有形态是一种具体的表现形式，有浮雕和圆雕两种。不管是浮雕还是圆雕都是借助于陶瓷雕塑的语言形态来体现出雕塑家的感情思想及意识形态的。圆雕是陶瓷雕塑的主要空间占有形式，是一种完全立体的陶瓷雕塑艺术品。它主要是借助雕塑内部的实体连接和自身的重心，使其敦放在地面上或者是空间台座上，这样可以使居民从四面八方观赏到雕塑艺术品。圆雕较大的一个优势是它既能以一个独立的立体形式出现，也能够与其他艺术品相互结合，作为一种建筑的附属物件而出现。这种空间状态上的独立性使得圆雕艺术家可以根据实地需要，多角度、多层次的对其进行雕塑、刻画。居民也可以根据自己喜欢观赏的角度来接近圆雕并仔细观赏或者是近距离的触摸。圆雕制作过程较为旋动，设计较为游动。因此，有利于游客环绕式的欣赏，也有利于圆雕开放式的进行放置。在对圆雕进行造型设计时，既有单独式的，也有组合型的，正是这种丰富多变的摆放形式给人们带来了视觉上的效果。浮雕相对于圆雕而言，具有不同。浮雕一般是依附在某些建筑物上而得以存在，作为被依附物的一种装饰品。在观赏浮雕时，也要在特定的角度上进行欣赏，具有较为独特的艺术价值。浮雕的立体感和空间感主要是通过起伏不一的凹凸面来形成或明或暗的错觉感来体现的，其感光面和转向面都不同。浮雕表现的是“在真实性的可视空间上的一种假象”。当浮雕借助于特定的灯光照射时，其营造出来的气氛效果更好。当然，在具体的空间艺术美方面，不管是浮雕还是圆雕都能够以一种极其生动的形象表现出来。在具体的实践过程中，圆雕和浮雕往往是搭配使用的，其空间占有形式上往往是以浮雕作为装饰背景，以圆雕来进行有力的塑造。只有圆雕与浮雕在空间占有形式上的有效结合才能使雕塑艺术表现出更加完美的空间美。
2陶瓷雕塑的主要空间艺术特征。
陶瓷雕塑是民族和时代特征的反映，是物质文明与精神文明的一种特有的文化形式。随着我国雕塑文化的不断发展进步，陶瓷雕塑作品不断出现许多生动的动物形象，赋予其鲜活的表情动作。不仅给这些人物形象和动物形象鲜活的艺术美，还提升了陶瓷雕塑作品的.整体艺术感染力。笔者认为，陶瓷雕塑的主要特点有以下几点：
（1）陶瓷雕塑的空间自由性与作品功用审美性的完美结合。
在当今社会，陶瓷雕塑的主导功用及实用性功能逐渐增强，审美性逐渐弱化。审美性的弱化也从另一方面体现出现代人们对自由及简单生活的追求。陶瓷雕塑在现代社会中较为常见，也较为接近人们的日常文化生活，不论是大型宗教仪式还是日常生活中的储蓄生活用品，都可以见到雕塑作品在空间上的自由和灵动性。
（2）陶瓷雕塑特殊的表现性。
传统陶瓷艺术与现代的陶瓷雕塑有所不同，相对而言，现代雕塑更加强调气势与神韵的追求，而对细节方面的刻画则显得不再那么重要了。陶瓷雕塑家往往在雕塑的过程中会给人以一气呵成的艺术感，并赐予艺术品以灵魂。雕塑艺术家根据自身的真实体验以及对真实物象的理解感悟，通过添加艺术效果，最终以艺术雕塑的方式自由体现。因此，这种陶瓷雕塑特殊的表现性就体现在现代陶瓷雕塑家以明快而又夸张的手法，将事物的具象和神韵凸显出来，使观赏者在欣赏过后回味无穷，具有较高的艺术价值。
（3）陶瓷雕塑平实的动态美。
随着陶瓷雕塑艺术的不断发展，我国的陶瓷雕塑作品也表现出了更多的动态美和平实美。在进行陶瓷艺术品的雕刻时，艺术家往往以雕塑的静态之美来呈现给观赏者以动态的感觉。一千个观赏者就能从雕塑中品出一千种体现，感受随心而变，带给欣赏者以丰富的想象空间。这使得雕塑艺术家在进行创作的过程中，就能使得观众与设计师、雕塑家达到情感上的共鸣。
3陶瓷雕塑的空间艺术美。
陶瓷雕塑以空间为载体来表现美感，陶瓷艺术的空间感是无形的也是无限的。陶瓷雕塑依托空间，以空间为其存在的主要要素，通过不同形式的形体限制来表现出无限的空间形态。陶瓷雕塑通过这种空间与形态之间的相互结合来体现出雕塑的艺术效果，通过空间的运用来体现艺术形体。陶瓷雕塑利用形体给观赏者形成直观的视觉效果，而形体又通过空间来表现出艺术效果。因此，陶瓷雕塑的空间美是要先认识到其形体才能到达最佳的审美效果的。陶瓷雕塑的空间美，美在它既可思又无形。人们不仅在实际生活中努力打造生活空间，并且在艺术品中得以活化和拓展。通过雕塑这一艺术品，使人们对空间美的认识更加充分，陶瓷雕塑借助于其独特的优势，使空间美更加独立、无形。陶瓷艺术品空间美的产生，得益于两个方面。一方面是由于陶瓷雕塑艺术品本身的材质特性，使得作品所用的黏土在烧纸前后都具有不确定性和可预见性，这给予陶瓷艺术品以足够的想象空间；另一方面其空间美来自于艺术品本身给人思维和环境氛围的遐想空间。空间美是陶瓷艺术品的重要组成部门，是其主题的重要体现。陶瓷雕塑外在的空间要与周围的物质环境相适应，其内在的空间则又要与雕塑本身的内涵相吻合。正是由于陶瓷雕塑巧妙的对空间艺术的运用，加上艺术品本身形体的结合，使得陶瓷雕塑在整体上获得了意想不到的艺术效果。
4结语。
陶瓷作品的艺术空间美是一种感受、一种内心的体验，是人们借以缓解紧张生活的良药。陶瓷雕塑在空间艺术上具有得天独厚的优势，其不仅具有外在的空间层次美，还具有内在的内涵美。雕塑家通过不同的构成形式，营造出一种神秘的空间氛围，达到截然不同的艺术效果。要充分体验出雕塑的艺术空间美，需要在深入理解的基础上，科学而又合理的认识陶瓷雕塑的内在空间与外在空间之间的关系，最大限度的发挥艺术品的美感，并进一步繁荣发扬我国悠久的陶瓷雕塑艺术。以上是本人的粗浅之见，由于本人的知识水平及文字组织能力有限，文中如有不到之处还望不吝赐教。
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艺术论文范文
摘要：昆曲作为中国古典艺术的代表，2001年被世界教科文组织评为“人类口头和非物质文化遗产代表作”。
如今这种美妙绝伦的戏曲艺术成为人类共同的瑰宝，本课题正是出于对这种传统文化的珍爱，对昆曲审美特点予以探讨，让读者更深刻了解昆曲这一艺术界的国宝。
关键词：审美特点;戏辞;音乐;表演程式;舞蹈;意境幻化。
“良辰美景三生梦，姹紫嫣红六百年”，昆曲之美，在于六百年沧桑岁月积攒的点滴。
它孕育、诞生、兴盛到衰弱曲折迂回长达几百年。
昆曲之美，在于岁月穿梭几百年留下不灭的记忆，它的美已经深入民族骨髓，成为一种不朽的印记，今天再聆听和观赏这种美妙艺术时依然能触摸到历史走过的温度和岁月充实的厚度。
当代昆曲研究者周秦在《苏州昆曲》中说到：“昆曲艺术之所以雄踞中国戏曲最高典范的至尊地位，不仅是因为明中叶到清中叶的全盛期苏州戏班曾经盛行京都，风靡天下，也不仅是因为清中叶到近代的衰变期在全国络绎形成了众多的昆曲支派”。
他把“而是……”留给了我们，于丹将昆曲之美归纳为：深情之美，梦幻之美，悲壮之美，苍凉之美，诙谐之美，灵异之美，风雅之美。
本文却从昆曲组成部分来分析它的审美特征，再来领略一次昆曲感人的魅力。
一、戏辞美。
从文学上看，戏剧文学应该属韵文学的延续。
中国文学从《诗经》，汉赋，到唐诗，宋词，元曲的沉积，历史大浪淘沙般将最精华的部分流进了元明的戏曲和传奇，昆曲借中国传统经典剧本将自己打扮得如此大家闺秀，戏剧凭借昆曲的演绎更是将尘封在线装书里古老唱词鲜活成人们美好而永恒的记忆，据焦《剧说》中记载，明代名伶商小玲因自己心有所属而事不得通，每演《牡丹亭》时投入感情太多，被里面唱词感染而不可自拔，终在一次演出唱到“诗打并香魂一片，阴雨梅天，守的个梅根相见”忽然之间，泪流满面，气绝而亡。
这是故事经过精到的唱词表现，将感情夸大，把演员感染，产生强烈共鸣的结果。
昆曲唱词里，有数不清的佳句广为后人传颂，汤显祖《牡丹亭》中“原来姹紫嫣红开遍，似这般都付与断井颓垣。
良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院……”“遍青山啼红了杜鹃，那荼蘼外烟丝醉软，那牡丹虽好，他春归怎占的先……”“则为你如花美眷，似水流年……”这些或因化用前人诗句，或因表达剧中人感情有功，或因推动情节发展，或因服务人物塑造，但终因美，因包涵那道不清的幽怨，那淡淡却永恒的忧愁而感染了人，把人间情，世间情演绎得万分缠绵悱恻。
《西厢记》中“碧云天，黄花地，西风紧，北雁南飞。晓来谁染霜林醉?总是离人泪……。”更是一首戏剧版的《雨霖铃》，演绎“杨柳岸，晓风残月”的孤寂和悲凉。
一出《送别》引的是宋人范仲淹《苏幕遮》中的句子，表的是崔莺莺那对恋人不舍的情怀。
《长生殿》中李龟年的唱词“唱不尽兴亡梦幻，弹不尽悲伤感叹。
抵多少凄凉满眼对江山!俺只待拨繁弦传幽怨……”。
长歌当哭，唱的是历史的沧桑，国破家亡的沉重，人生无常岁月无情。
《牡丹亭》每出结尾用了四句诗，一共用到二百二十首前人诗篇里的句子来总结剧情。
这种包罗千万，驾驭材料的能力非一般文化修养之人能够办到。
教育艺术论文
学前教育作为幼儿的启蒙教育，并没有被纳入九年义务教育的范畴中去。根据各地经济发展水平的差异、人们对幼儿园教育的重视程度不同，中国现在学前教育的规模、形式、师资力量也参差不齐。根据调查研究的结果显示，大部分地区在民间艺术的教育程度上做得远远不够，有的地区师资力量薄弱、老师对民间艺术了解甚少；有的地方根本就没有在幼儿教育阶段开展民间艺术教育，这使得民间艺术资源在幼儿艺术教育中的运用不容乐观。加之随着计算机技术的发展，网络文化萌生并在青少年中大肆流行，比如一些网络词汇：人艰不拆、喜大普奔等，这在一定程度上会对幼儿产生影响。并且随着改革开放的不断深入，近年来外来文化也不断地涌入国门，孩子们对外来文化有着新奇感，开始过外国的节日，比如圣诞节、万圣节等，摒弃中国的传统文化，对民间艺术更是嗤之以鼻，不屑一顾，这对民间艺术更是形成了巨大的冲击。因此，将民间艺术融入幼儿艺术教育课程中，加强幼儿对民间艺术的学习刻不容缓。
二、民间艺术资源在幼儿艺术教育中有效运用的建议。
1.加强民间艺术教育的宣传活动。
有些经济发展落后、不注重孩子民间艺术教育的地区，大部分人们对民间艺术的形式都不知道，这充分说明我们在民间艺术教育的宣传活动方面做得不足。因此，笔者建议各地区的教育部门要经常开展民间艺术教育的宣传活动，比如可以定期开展民间艺术品的.展览活动，普及民间艺术教育的知识，宣扬民间艺术教育的重要价值，使民间艺术形式深入人心，引起他们对民间艺术资源在幼儿教育过程中运用的重视。
2.培训专业人才，增强师资力量。
有些地区的幼儿园老师对民间艺术知之甚少，这在一定程度上反映了我们对民间艺术专业人才的培训做得不够。在幼儿教育中，老师充当着一个桥梁的作用，是孩子在民间艺术学习方面的指路人，没有一个专业的老师，孩子们便无从对民间艺术有一个全面直观的了解。因此，培训专业人才，增强师资力量迫在眉睫，也势在必行。在专业人才培训方面，笔者认为要做到以下几方面：
（1）幼儿园应不定期组织老师进行民间学习，了解不同地区的文化，学习不同地区的艺术，做到对民间艺术有一个清晰全面的认识。
（2）幼儿园应该不定期地请专家莅临观摩老师们的民间艺术教学课堂，并提出合理有效的意见，经常组织民间艺术交流会，使老师对民间艺术得到充分的交流，以明白并改善自己民间艺术教学的不足之处。
3.选取合理的民间艺术教学内容，采取多种形式教学。
民间艺术虽然弥足珍贵，虽然具有极高的艺术价值，但在幼儿园教育阶段并非全部适用。因为在这个教育阶段，教育的对象都是一群年龄很小的孩子，他们对很多事情尚处于懵懂待开发的年龄段，因此不适合对其进行高深的民间艺术教育，老师应该根据实际情况、根据孩子的理解能力和兴趣爱好对其进行选择性的教学。明确了关键的教学内容后，接下来要采取更为关键的教学形式。在民间艺术教学课堂上，老师可以利用网络和多媒体，进行图片和视频的播放，以这种形式来向幼儿展现多种多样的民间艺术形式，让他们生动形象地了解秦腔、昆曲等民间艺术；老师还可以经常进行剪纸、皮影演示等教学形式，让孩子自己动手剪裁和演示，培养他们的动手和实际操作的能力，让他们对民间艺术产生浓厚的兴趣。民间艺术作为中华文化的瑰宝，其继承和发扬是十分重要的。因此从孩子幼儿时代便对其进行一定的普及是一项明智之举，民间艺术的学习不仅可以拓宽孩子艺术教育的范围，还可以陶冶孩子的艺术情操，提高他们对本土文化的热爱，也可以让民间艺术在历史的长河中源远流长。
体育艺术论文
摘要：互动艺术是观众参与作品的一种艺术形式，以现代科学技术为支撑，结合艺术化的表现形式，呈现出多样化的互动艺术作品。互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品到主动参与作品，体会作品。本文从分析互动艺术的特征出发，探究互动艺术的变化发展及如今互动艺术的发展现状和趋势，审视互动艺术特有的艺术魅力。
关键词：互动艺术；技术；交互。
1、认识互动艺术。
（1）什么是互动艺术。互动艺术是让观赏者亲身体验参与的艺术作品，是传感技术，电子艺术和互联网艺术相结合的多元化艺术。在互动艺术作品中，“互动”即为创作者、观赏者及作品中事物的互动。互动艺术的表现形式受到观赏者的影响，甚至观众也能成为作品的其中一个部分。互动艺术作品可通过感应器让参与者的行为动作使作品做出相应的回应。通过这种形式参与者便有了选择的权利，同时与作品有了对话交流的过程。
（2）互动艺术的特征。互动艺术的表现形式是多种多样的，它是创作者的创意及理念与现代科学技术相结合的产物。互动艺术最鲜明的特征就是交互性，强调观赏者与艺术作品相互沟通，共同参与。互动艺术最大的特征就是艺术与技术的结合，互动艺术以多媒体技术、电子技术、信息技术等现代科学技术为支撑，让观赏者通过走动、触摸、动作、发声等方式亲身参与到互动艺术作品中，不仅能够使观赏者更深刻的理解作品和创作者意图，而且能引起更多人的关注。
2、互动艺术的发展历程。
（1）思想转变推动互动艺术发展。从六十年代开始，人们不在满足于传统的艺术作品传递的精神交流表现形式，而是开始寻找一种艺术作品与观赏者能够更为活跃的联系，想要改变传统艺术主体与对象之间单向线性的传播方式，形成双向带有交互性质的整合传播艺术表现形式。早在1957年马赛尔·杜尚在他的书中就写到“一个创作活动不是由所有艺术家单独来完成的，因为观众会建立一种对于作品和外部世界在辨认上和他的鉴定解释上的联系，通过进一步增加他自身的想法继续促成创作活动”，“这是观众来创作的作品”。特别是1962年在于拜多·依考的著作中提出了“开放式的作品”这一观念，一种观众参与的意识逐渐开始苏醒。创作者开始希望作品离开展厅、画廊，同时也出现了能让更多的人接触到的街头艺术，并且以集体创作、共同参与的方式创作了大量的作品，是更多的观赏者逐步的参与到艺术作品中。并且，在六十年代初产生的激浪艺术阐释了另一种艺术思想，倡导抛弃传统的艺术观念，确认了互动媒介的重要存在，确认了观众和表演者的娱乐性而取代高雅的现代艺术的严肃性和神圣性，确认了日常生活中简单的和习惯性的事情和行为与艺术的内在联系。在同一时期出现的行为艺术也推动了交互艺术的发展，此时的艺术家以自己的身体为基本材料的行为过程中，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、环境的交流，同时经由这种交流传达出一些精神内涵，营造出观者与艺术家的精神共鸣，他们讲求一种身体与精神之间的存在关系。这些新兴的观念与艺术形式与互动艺术都有着千丝万缕的联系。
（2）技术发展开拓互动艺术空间。从六十年代起，艺术家的创作引进了计算机工具，利用计算机技术所呈现的效果为艺术家创作增加了新的灵感，为艺术的设计创作打开了一种新的空间。艺术家利用计算机程序代替传统工具进行艺术创作，不断地探索技术所能为艺术创作带来的无限可能。艺术作品中运用静态与动态图像的结合，文字与声效配合等多种元素，运用装置或网络等多种方式来表现、发展、保存。九十年代后，随着新媒介、新材料的开拓和其他数字技术的发展，互动艺术逐渐被推到大众面前。数字技术的不断发展使互动艺术作品的形式更加多样化，观赏者参与互动的方式种类也越来越多。目前，互动艺术作品运用的主要技术是图像、声音处理的相关技术以及捕捉人体动作及相关信息的传感技术。互动艺术一直不断的运用各种新兴技术探索创新观赏者与作品之间的交流互动，使观赏者不断走入作品，从观赏者与作品的被动互动，到让观赏者按照自己的意愿选择某种途径探索作品的主动互动，最后使观赏者自己可以随意控制所加信息的适应互动，成为作品的参与者来完成与艺术作品的互动。正如比尔·维奥拉所说“技术构成了任一艺术性活动的一把钥匙。这同时是一种方法和一个障碍用以表达我们的创作想法。这种压力是完全地对任一件艺术作品至关重要的。”
3互动艺术的应用与展望。
互动艺术是借鉴了艺术和运用技术方法结合实践的综合体，同时体现了艺术蕴含的美和技术创造的美。但互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品和虚无的精神享受到主动参与作品和身临其境的体会作品，借助高科技、新媒介、音乐等各种元素，既发挥了结合了艺术的优势，又创作出新的艺术表现形式。对于互动艺术的观赏与理解是视觉、听觉、触觉全方位的理解体验，这种更加直接的切身体验存在与人机互动之中，从而使人们在观赏交互艺术作品时获得更深刻、更强烈的互动体验，产生更加强烈的兴趣。如柏林艺术家sweza利用二维码做了一个街头卡带录音机项目。将手机扫过海报上收音机的二维码后，用户可以把自己的智能手机变成卡带机的一盒磁带，从一张录音机海报上演奏出音乐来。如今，更多的艺术家们现在开始利用最新科技让他们的作品变得更加互动，与周围的人和环境产生更多的联系。这些新的互动作品制造出更为复杂的互动关系，很多互动艺术存在于街道及人群聚集的地方，而正因如此，作品显得更加真实。如eyebeam涂鸦实验室（graffitiresearchlab）的作品，创作者利用数字投影与大楼互动，作品利用点绘画系统，通过亮起的窗户生成画作，观众可以在街道上观看作画的过程。又如来自lummo的作品lummoblocks将“俄罗斯方块”投影在公共广场的巨型屏幕上，玩家可以通过在广场上的走动来移动和翻转方块，路过的人们看到方块高垒起来，大概也会十分想要参与这项游戏吧。也有许多创作者让文件分享来到了街头，你可以在任何地方发现usb的存在，任何公共场所的洞和缝隙都成为交换文件的地方——mp3，你没写完的小说，艺术作品等，每个人都可以下载你留下来的东西。而这一切正是互动艺术作品内涵的高科技所实现的，是互动艺术与传统艺术表现上的最大区别，也正是互动艺术所特有的吸引力。然而互动艺术的美感并不是简单的靠技术来支撑，互动艺术作品是触及人们心灵的，延伸到参与者的意识与思想，互动艺术的美是涉及思想深处的，有不可预测的影响力，给人新的思考。互动艺术作品以装置硬件为基础，结合相应的技术所达到的特有的交互效果，使其在很多领域都有较为广泛的应用。如在各类展览中的应用、虚拟现实中的应用以及人工智能和网络传播等等。
随着科学技术的高速发展，互联网应用的不断更新必然会对互动艺术产生巨大的影响，互动艺术作品的创作也有了新的高度，呈现出更多的表现形式和交互功能，为艺术家的创作开阔了视野，同时也带来挑战。这就需要设计者运用其独特的设计思维和创作理念进行创作设计，相信更多的互动艺术作品能够在更多的领域得到应用。
参考文献：
[1]马晓翔.西方互动艺术的概念和发展[j].画刊.2005（2）.
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[3]彼得·维贝尔.白南准：推崇媒体的神秘主义者[j].世界艺术当代卷.2008（5）.
[4]陈玲.新媒体艺术史纲：走向整合的旅程[m].清华大学出版社.2001.
[5]雪竹.李颜妮、互动艺术创新思维[m].中国轻工业出版社.2007.
[6]周娉.互动装置的体验设计研究[d].武汉理工大学.2008.
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舞蹈的艺术论文
舞蹈是一种表演艺术，使用身体来完成各种优雅或高难度的动作，一般有音乐伴奏，以有节奏的动作为主要表现手段的艺术形式。它一般借助音乐，也借助其他的道具。
现在的很多孩子在很小的.时候就已经开始学习舞蹈了，舞蹈是我们的艺术修养，舞蹈是一本艺术，我们可以借助舞蹈表达我们的情感。
《文艺研究》(月刊)创刊于1979年5月，是文化部主管、中国艺术研究院主办的大型综合性文艺理论期刊,是中国当代重要文艺理论刊物之一，在国内学术界具有较大影响。张庚、林元、王波云、柏柳先后任该刊主编。
建筑艺术论文
摘要：研究动画艺术创作对萨满文化传承的重要意义，从作品入手，在研究萨满文化的起源和内涵的基础上，深入挖掘萨满文化的特点和精髓所在，把理论应用于实践，创作具有萨满文化内涵的动画原创作品，利用动画这种特殊的表现手段，研究和推广萨满文化，从根本上做到对萨满文化的延续和传承。
随着科技的发展和观众欣赏水平的日益提高，人们对于动画片的要求也日驱增高，目光不仅仅停留在影视作品的观赏性上，更追求于影片的文化内涵，所以各国的艺术家们，都开始立志于寻找既能提高作品的文化内涵，增加影片的娱乐性，且又能最大化增加影片的经济价值的方法。艺术家们发现，把民族文化融入到艺术创造中，不仅仅能够很好的宣传本国的传统文化，使作品有一定的文化背景，同时，又有坚实的观众群，降低了作品的推广难度，增加了其经济价值。如今，民族文化俨然成为了各国推广自己的名片，也成为了各种艺术表现的代名词，所有的文化产业都想以民族文华为基础宣传和推广自身品牌。影视作品中，萨满文化作为民族文化的一部分，对于艺术创作的影响是巨大的。把萨满文华融入到动画作品中也成为动画行业中重要课题。
一、萨满文化艺术的历史起源。
原始萨满文化艺术，是远古的先人们与大自然博弈时创作和积累下来的经验，更可以说是一种生存的智慧，是人类和自然共同生存和进步过程中的一种总结性的文化，是远古先民们特有的美感和灵性的文化遗留。在远古时代，先人们对于自然和宇宙的认知较少，对于自然灾害的抵御能力也较低，所以人们容易把把自己的个人意愿与信仰结合，认为生老病死和欲望的满足都依靠于神的旨意。在漫长的历史时期，人们信仰古老的文化宗教——萨满教。萨满被人们认为是北方民族的精神信仰，坚信他能将人的愿望与意志相互传达。人们借此来表达内心的愿望和期许，是一种精神上和感情上的寄托。
二、萨满文化的内涵。
1、萨满文化是原始文化和北方民间文化的共同产物原始先民们对于自然和宇宙所表现出来的敬畏之心，从而不断的探索和发现，形成了萨满教特有的文化观。从史学的角度看，萨满的一些唱词、神话记载了大量的民族起源、风土人情、文化交流的信息，在萨满祭祀过程中，音乐、舞蹈贯穿始终，用北方民间的音乐和舞蹈，通过自己的表达方式，表现对于神的敬畏之心和记录文化信息。2、萨满的观念传承北方民族精神之魂萨满强调集体意识，在过去时代北方民族的灵魂所在。那个时期大家都讲究集体意识至上、个人服从集体，弘扬了集体精神和顽强的生存意识。满族的先世女真族，建立渤海地方政权、建立金，最后建立了清代统一政权。是萨满集体意识的集中体现，所以我们说，萨满的观念是传承北方民族的精神之魂。3、萨满是人们崇拜大自然的一种集中体现北方人民在不断探索和发现大自然神奇奥秘的同时，把自己对大自然的喜爱和尊敬之情寄托在萨满文化中，把自然视做生命的起源，是人与物赖以生存的母亲。自然给予了他们光和热，给予了他们生活所必须的食物，他们对于自然的感情是向上的，故而萨满是一种正面且积极的文化体现。
三、原创动画短片《萨满鼓》中萨满文化人与自然的和谐共存。
萨满文化博大精深，但是其中的对大自然的崇拜和希望与大自然和谐共存的理念是萨满文化的主要精神支柱，是先人们对于自然的敬畏之心，是不断探索大自然以后，经验的总结，是人类智慧的升华。
(一)崇拜和敬畏大自然是萨满文化的核心。
人类作为大自然最优秀的产物，在不断的探索和发现中，人们认为，人类可以和大自然和谐共处，相互依赖且相互并存，以萨满文化中的崇敬自然的朴实的崇拜观念为基准，创作作品《萨满鼓》，作品中萨满神化身变作鹰、鹿、熊、鹿、鱼五位神灵，在人们遇到灾难时，为人们祛除灾祸，成为了人与自然的保护神。随着时间的推移，对于神的崇拜深入人心，更加依赖人们信仰的神明，是人类美好愿望的实现者。
(二)体现人们期望远离灾难，向往和平的美好愿望。
黑暗笼罩着大地，人们彷徨失措，此时，闪电闪过，飞鹰破空而出，萨满神降临，鼓声震天，萨满神伴随鼓声舞动，世界变得明亮而又温暖，人们开始高呼，一起舞动身体，之后萨满又化作一只雄鹰、野狼、雄鹿与海鱼后，拯救了自然灾难中的人类。驱赶灾难，是和平的象征，给人们带来安定。
(三)作品体现萨满的核心文化观念。
萨满艺术充满了无穷的神秘性，受萨满世界观的主宰，其中的动物和植物，是人类与自然沟通的使者，作品《萨满鼓》很好的诠释了萨满的世界观。
1、敬畏自然的力量作品《萨满鼓》源于旧石器时代，无可预测的自然环境，危险时刻发生，但是那时的人类生活和生产基本上都依赖于大自然，自然的馈赠人们无可替代，自然的灾害又不能避免。所以人们崇拜于自然的博大的同时，也更加敬畏它。当人们遭遇灾难时，会因为恐惧而变得手足无措，从而需要精神崇拜来支撑信念，萨满鹰神的出现，给予了人们想要的，赖以生存的能量，他舞动太平鼓，给人们带来了希望，人们有了这样的信念支撑，对于自然的崇拜，才能更好的和自然相互依存。
2、图腾崇拜图腾崇拜是原始人类在捕猎的情况下，见识了动物或者植物的能力，崇拜于动物或者植物的神奇力量，希望与它们一样，充满力量，无所畏惧，人们开始把这些动物或者植物看成自己精神的寄托，寻找能够代表本民族的图腾象征，希望自己可以与图腾上的动植物一样，变得勇猛无畏。萨满被看做是人类信息的传达者，是与神明传达自己愿望的使臣。鹰有高超的飞行技巧，拥有令人敬畏的外形和强悍的捕猎手段，所以萨满被称为鹰的化身，可以完成人与神沟通的重大使命。作品《萨满鼓》的故事背景来自于满族创世神话《天宫大战》，是阿布卡赫赫命令神鹰从天空飞来，用翅膀上的羽毛给人类带来的光和热，带来了生存的希望，最后鹰是萨满的第一护卫神。在萨满教中把鹰看做是火、光明、生命的象征，因此，满族有崇拜鹰的传统，并且把鹰作为民族的图腾文化加以崇拜。至今在满族萨满隆重的祭祀中，依然有鹰、熊、鹿等醒目的民族图腾作品，他们被人类看做是人类的信仰，是人类崇拜的具象的图腾文化，具有特殊的文化涵义。
四、运用动画这样的特殊表现形式促进萨满文化的传承。
(一)萨满为代表的传统民族文化融入动画艺术创作中。
萨满教是一种融合了戏剧、音乐、诗歌和寓言的神圣综合艺术。萨满文化中包含了品种繁多的萨满舞蹈和感染力极强的萨满音乐。在萨满祭司活动中，萨满舞蹈和音乐的结合，气势恢宏，有很好的渲染效果。通过动画的艺术形式表现萨满文化，是对萨满文化新的诠释，是传统文化与现代文化完美结合的产物，动画的表现形式多样，且不受环境和制作的限制，能够更为玄幻的诠释萨满神明的意境。
(二)通过动画特殊的表现手法，创作富有萨满文化的原创动画作品。
萨满教神话故事是人类社会初期阶段意识形态的产物，其中最为著名的创世神话《天宫大战》、《尼山萨满》等。这一类创世神话故事向我们展示了在宇宙中，是如何创造天地，创造人类的。讲述了宇宙开始，善与恶，真与假，生与死，明与暗的交叠。《天宫大战》中宏大雄阔的气势，天真质朴的想象，鲜活生动的语言，优美动人的情节，拥有着自己独特的艺术魅力。随着社会文明意识的提高，又有一系列的优秀作品出现，例如：《红罗女》、《两世罕王传》、《金兀术传》等。萨满的寓意明确，且具有很强的文化指向性，内容深邃，在萨满文化中有很多奇幻的寓言故事，可以把这些神话故事利用动画这种富有张力富有表现力的艺术手段表现出来，创造一系列富有萨满文化的原创动画作品。
五、结论。
萨满文化最为我国的一项传统的民族文化，在我国北方有着深厚的群众基础，是推动人类发展进步的信念支撑，是北方民族信仰的开始，是先人们对于自然和宇宙的不断探索的精神和智慧的结晶，是我们北方民族文化的重要组成部分。由此可见，萨满文化是一个民族的文化核心，其中音乐和舞蹈的表现形式，可以很好的融入到动画创作中，且动画的表现形式多样，制作的过程中受限的部分较少，利用动画的这一特性，将萨满文化和动画创作相结合，能够创作出不一样的艺术效果，是动画创作和民族文化相结合的全新尝试。
参考文献：
[1]王宏刚.于晓飞.《北方萨满文化》.四川文艺出版社，2007.3.161页.
[2]景超.萨满信仰的文化学诠释.满族研究.2007.32页.
建筑艺术论文
1.1重表皮。
由于技术水平和资金条件的限制，在过去大多的传统建筑和现在的许多普通建筑中，它们的建筑表皮都属于重表皮，常用的材料如砖块、石头、混凝土等。重表皮即是建筑的外立面，也是建筑构造的一部分，与建筑主体结构密切联系，甚至是一种内部结构的外在表现。因此重表皮根据与建筑主体的关系还可以分为结构性重表皮和功能重性表皮。结构型重表皮，实质就是建筑结构的一部分的外在介质，比如承重的墙体。结构柱等。这些既是建筑的主体结构，也被视作建筑外层表皮的一部分，但严格来讲是属于建筑体量范围。它们的装饰，更多是通过附加构件完成的，如在外墙或柱子上做个浮雕拼花等造型。这种建筑表皮一般多属于传统的建筑或现代一般性砌块建筑。功能性重表皮，表现出的是一种与结构相对独立的状态，其表达和功能联系紧密，如框架建筑的外填充墙或附属物、横向的阳台板、悬窗下台等。
1.2轻表皮。
这种表皮，常见于分离于建筑立面荷载以外的围护结构，其材料多以轻型材料为主，如金属、合金、木质板材、塑膜、帆布、玻璃、砖瓦瓷片等。表皮结构较为独立，可搭接在建筑主体上也可独自成体围在建筑外围。因此轻表皮对于建筑外形态改变更加自由多变，能更好的解决建筑内外物理能效的问题。同时轻型材料的多样化结合不同的结构搭建方式可以为建筑造型带来各种特色形态构成，如玻璃幕墙带来简洁流畅、钢结构带来自由曲线、帆布带来各种抻拉曲面、合金板材带来各种拼贴组合等形态。形态丰富的轻型表皮构成较之重表皮能有更多的途径和方法去适应、改善、创新现代建筑发展的需求。因此，在这里指出本文所表达的侧重点在于建筑表皮的轻表皮的分析，对其与建筑之间的关系方面展开论述研究。
1.3建筑表皮形态构成。
这里主要指建筑表皮视觉表达和形态构成问题，在现代形态学的基础上探讨现代建筑表皮形态构成的'基本规律和方法，并解析各种形态构成方法在表皮设计中的应用。建筑表皮形态根据不同分析的角度我们大致有以下几类划分，从视觉形态可分为：平面构成、立体构成、色彩形态、材料构成、肌理构成；从技术功能角度分为装饰性构成、生态性构成、媒介性构成；从结构角度分为附属结构、独立结构、装饰结构。这些不同的形态构成方式组成了表皮形态构成的规律方法，使未来建筑表皮向着更加智能化的方向发展。
在当代的建筑领域尤其是建筑表皮形态这一方面，随着现代社会经济、科学、技术、文化快速发展，也呈现出了前所未有的多样性，与古典或传统风格的建筑物相比，我们会越来越多的发现外表“怪异”的建筑出现在我们的视野里：折板的、流线的、巨构的；伴随着用各种各样的材料:金属网、腐蚀板材、半透明的聚碳酸酯板、塑料、玻璃。现代建筑表皮材料的建模方法和造型的概念、思维变得非常灵活,中国和世界的流行形式似乎在传达一个“现象”想象力有限的，创造力无限。综合当代建筑皮肤各种形态现象，我们可以看出建筑表皮本质属性的以下三个不同层面:。
2.1建筑表皮是建筑内外空间的介质。
从空间角度来看，它是各种空间形态的基本物质基础，表皮不仅为帮助建筑内部过滤外部影响、提供安全私密内部环境基本保障。同时，表皮形态也是建筑内部结构延伸到外部空间的介质，对于空间的转换可以起到和好的作用。
2.2建筑表皮是建筑视觉传达的“特色脸面”
古语云：“面由心生”。建筑表皮就是建筑的“脸面”，有什么样的建筑属性就会产生什么样的“脸面”；相反建筑的“脸面”—表皮又是建筑对外视觉传达的直接载体。通过建筑表皮可以传达出建筑的结构形式、技术功能、历史内涵及文化风格等诸多特色，所以，建筑表皮作为建筑的“特色脸面”记载了建筑发展历程，形成了城市地域文化，蕴藏了人类丰厚的文明遗产。
2.3建筑表皮的变化反映社会变革中的诉求。
当世界发展到今天，社会环境巨变：人口膨胀、能源危机、环境污染、生态恶化，人类生存环境受到极大挑战！因此，在建筑表皮与环境的交互中，表皮的变化开始越来越多的向着人性化、生态性、节能性的方向发展，表皮的作用被重新认识，其形态结构进一步的被创造发展，新技术新材料也为表皮形态增加了更多的变化与选择。
3建筑表皮的意义与作用。
在传统的建筑理念中，建筑表皮与建筑结构是一个不可分割的整体。在这种观念的影响下，很大程度制约了建筑表皮形态的革新，从而抑制表皮结构在整体建筑形态中应有功能的有效发展。然而随着时代的发展，近现代许多建筑表皮形态已经开始逐渐破除旧的表皮理念，而是把表皮形态看作既与建筑形态有机组成，又具有自身独特的内在构成方法与组合规律的独立形态，这样更加确立现代建筑表皮在整个建筑构成中所具有的价值与意义。同时随着现代虚拟技术在建筑设计中的使用，更加多元化的形态与造型方法充斥着建筑与表皮的形态—材料、技术、光影、媒介、色彩等元素为现代建筑表皮提供出了丰富的形态元素与造型方法，从而把表皮形态的美学视觉品质与实效应用功能提升到了一个崭新的高度，总结归纳它的形态构成方法也可为建筑师充分表达各种理念情感提供了广阔的平台，这也是本文表达含义。
3.2建筑表皮的作用。
建筑是空间界定的一种方式，无论在单体建筑和组群建筑的内外都会拥有一种空间与之密切联系，我们常把这种相对被建筑限定的空间称之为建筑环境，它又分为内环境和外环境，而建筑表皮就是同时联系内外环境的介质。我们知道不同的建筑表皮变化，可使得建筑内外环境的层次、内涵、情感及文化现显出不同的意境，给人以多样的感受。所以，表皮是构筑建筑内外空间环境不可缺少的重要组成部分。表皮与内外环境的交互融合，使建筑成为附着了时间、性格、生命的载体。在建筑环境的营造中，表皮所呈现的形态美是建筑的感官印象，而建筑与环境之间所形成的那种和谐的质感美、意境美则恰恰需要表皮的参与并成为之间的纽带。
4总结。
现代建筑表皮既是建筑的重要组成部分，又是新型的独立结构，在未来的建筑形态发展中是其主要的建筑外“包装艺术”的载体。表皮的革新与变化势必带动建筑外包装艺术从平面走向立体，从单一走向多元的方向，使建筑的包装艺术具有更广阔的表达语意，更准确的定位建筑的内涵属性。
教育艺术论文
1927年，在国民政府大学院院长蔡元培等人的支持下，中国近代著名的音乐教育家肖友梅，创建了我国近代第一所国家级音乐高等学府，上海国立音乐院（后改名为国立音专），上海国立音乐院是我国近代声乐教育史方面唯一的中国自办音乐院校，在中国近代音乐史上具有里程碑的意义。在中国近现代音乐史上，许多著名的声乐教育家都毕业于该校，上海国立音乐院建院初期，蔡元培亲自兼任院长，帮助肖友梅主持该院的初期组建工作。1928年以后，肖友梅才亲自担任代理院长、院长。肖友梅担任代理院长以后，亲自督导声乐教育工作，在当时，上海国立音乐院聘请了许多中、外著名的顶级声乐教师，在声乐教学方面，成绩斐然。1928年，萧友梅找到周淑安，希望她能担任学院的音乐教导主任，在萧友梅的诚意聘请之下，周淑安欣然应允。当时，学院的小提琴组、钢琴组主任都是外国人担任，由一位中国女性来担任声乐组主任，大大出乎别人的预料，周淑安的名声，在学院产生了很大的轰动，引起了众多学生以及老师的关注。周淑安上任声乐组主任后，不负众望，以渊博的学识，旺盛的精力以及极大的工作热情，超负荷地工作着。周淑安工作积极，一丝不苟，她除了教声乐主科外，还指导学生视唱练耳学习，同时，在举办音乐会时，还担任合唱指挥。除此之外，周淑安还出任学校的音乐联系指导，为了提高学生的音乐水平，在学生进行音乐表演时，周淑安还主动为学生做音乐伴奏。在很多音乐会的比赛场合，都会看到周淑安伴奏的身影。周淑安的精心教学，开阔了学生的艺术视野，充实了学生们的学习内容，学生可以从不同角度、不同视野，了解声乐艺术作品，她的辛勤劳动，不仅增强了学生们学习声乐的兴趣，还大大提高了学生们对声乐的理解能力。周淑安不仅注重教学，还注重理论研究，在学贯中西的基础上，周淑安还悉心研究传统戏曲，认真学习民族戏曲的美学原则，在教学过程中，她仔细研究民族戏曲的特殊表现手法，追求声乐艺术的民族艺术气韵和中国艺术意境。她诲人不倦的育人精神，获得了众多学生的赞誉，也为她赢得了良师的美名。对于学生音乐天赋的挖掘方面，周淑安也有着独到的见解，她知道怎样挖掘学生的音乐潜力，在教学过程中，周淑安不仅认真负责，还善于循循善诱、因材施教。她对每个学生的学习状况都了如指掌，学生中谁的声音太粗，谁的鼻音太重，谁音调不准，谁又容易跑调，周淑安都心知肚明，她根据学生的自身特点，有针对性地进行指导，主动挖掘学生音乐天赋，为每位学生规划不同的音乐学习计划。她耐心地为每一位同学指点迷津，不断提高学生们的音乐素养。周淑安自身的天然音质不算美，并且声乐教学时的音量也不够饱满，但是，她能够坚持刻苦训练，弥补自身先天之不足，同时，加上她掌握相当丰富的文献资料，对音乐的深刻理解，还是在声乐艺术教学中，做出了突出的成绩。周淑安教的许多学生，都有一个共同的优点，就是吐音咬字十分清楚。周淑安的教学十分严谨，她一直用科学态度对待声乐艺术，就算是演唱外国歌曲，也是一丝不苟“，以字行腔”，她坚持“以字行腔”的教学原则，连外籍教师都赞赏不已。
二、周淑安对中国现代声乐发展的影响。
周淑安不仅具有极高的敬业精神，而且爱生如子，体恤自己的学生。其中，著名音乐家胡然先生以及女歌唱家、音乐教育家唐荣枚先生都曾经受到周淑安的关心和照顾。胡然先生自幼喜欢音乐，学习用功，但是家境困难，为了节省车费，胡然先生每天都要徒步上学，但是他的家离学校很远，即使坐车还要半个小时，周淑安了解到这一情况后，为胡然买了一个季度的车票。而这个票钱相当于周淑安一个月的工资，后来，音乐学院聘请到俄国籍男低音歌唱家苏石林担任声乐老师，周淑安立即领着胡然先生去见苏石林，她以学生前途为重，让胡然转到苏石林班上继续学习，而正是这次机会，造就了胡然先生成为我国近代音乐界的男高音歌唱家，并且胡然先生继承了周淑安的教育思想，创建了湖南音乐专科学院，成为了著名的音乐教育家。周淑安重点体恤的'学生中，还有一位名叫唐荣枚的学生，周淑安了解到唐荣枚家境清寒，交不起学费，就找到校长说明情况，申请特批唐荣枚每学期只交1/3学费，由于周淑安的精心关照，唐荣枚在学业上取得了很大的进步，后来成为著名的现代音乐艺术家、女歌唱家、音乐教育家，被称作“延安夜莺”。
周淑安与肖友梅等老一辈音乐家们，共同开创了中国现代声乐艺术，为中国现代声乐艺术的繁荣发展奠定了坚实的基础。周淑安的一生，对中国声乐艺术教育的发展做出了杰出贡献，她不仅和肖友梅等老一辈音乐家们，共同开创了中国现代声乐艺术，还培养了大批音乐骨干和声乐艺术人才。20世纪40年代，中国声乐界“四大名旦”中的郎毓秀、喻宜萱、张权都是她的高徒，著名音乐家、女歌唱家唐荣枚，杰出的声乐教育家胡然，以及声乐艺术家洪大琦、劳景贤、孙德志、吕骥等都曾经接受过她的教诲；她的教学不仅质量高，而且学生进步快。学生身上存在的声乐问题，周淑安几个星期便迎刃而解。由于周淑安教学质量高，并且师德高尚，受到了学生们的普遍尊敬和爱戴。周淑安将一生的精力投入到我国的现代声乐教育事业，她教学态度认真负责，在声乐艺术教育方面有着自己独到的见解，她诲人不倦的育人精神，获得了众多学生的赞誉，她为中国现代声乐艺术教育的发展做出了不可磨灭的贡献，她的品德和学识，受到了人们的高度称赞，她的事业和诲人不倦的教学精神，在一代代学生中延续，对中国现代声乐的发展产生了深远影响。
艺术论文
“留白”是中国传统绘画中重要的艺术手段和独特的创作形式，中国传统绘画从一开始就没有所谓规定性的视角，文人骚客作画只是兴致所至，没有空间局限，任意角度都可以对身临其境的自然景观进行描绘，在构图布局上讲究的是画面整体性的逸致和美感。“留白”灵活自由的构图方式实现古代文人画家这些作画目的。
在现代平面设计的常用技法中，“留白”与“负空间”以及“空白”这些定义频繁出现，设计师通过对整体布局、空间空白、色彩渲染、尺寸字体等使用来定位视觉焦点，从而达到突出设计主体，夺人眼球，传播设计理念或者产品特色的目的，可见留白在平面设计中是一个十分重要的设计要素。
尤其是国际大牌产品在定位品牌文化时选择的设计通常看起来非常简单，简单背后却又直击人心，形成十分高级而简约的美感。无印良品从创立品牌以来一直主张“lessismore”的设计理念，这句话出自20世纪30年代的建筑师——密斯·凡·德罗，就是尽可能地简化一切加诸在产品上的装饰，讲究回到物料最原始的本来面目，反而能够发现更多、更广阔的美感，这同时也是艺术史上极简主义的艺术追求，也体现了留白给现代设计所带来的巨大发展空间。在设计中追求“简约”的美感，是通过不断地进行减法来实现的。在去掉繁复的信息叠加之后，所出现的大面积的安静的空白就是留白，留白便是“简约”的载体。
（二）现代艺术设计中的传统“线描”技法的运用。
中国传统绘画艺术，尤其是国画中的工笔画，对线性思维的运用可以说达到了炉火纯青的地步，就是“线的艺术”。线条是中国传统绘画表达艺术形式的重要手段之一，并且在线条的背后有着深刻的文化内涵和意义。中国传统绘画艺术能体现出中国传统文化的特征就是“以线存形”，古代的文人墨客在作画时，线条就是他们造型的基础，娴熟且细致入微地运用线条考验了作画者的功底，进而表达深刻的情感思想。
中国现当代平面设计对线条的运用师从于中国传统绘画中的线条，采用最传统的造型技法的古朴风格运用到平面设计的风格中，别样的体现现代人对艺术美的追求。在国画和工笔画中，线条的运用早已达到炉火纯青的境界，古代画师对线描技法的运用有着一套严密而精细的手法，无论是工笔画丝丝入扣的线描，还是水墨画墨笔线条流畅挥洒，都是古代文人在作画时或直抒胸臆或婉转传情的深刻体现，能让观者在面对作品时直接感受到创作者创作时的心绪变化，表达出画家的思想感情，体现出时代的精神实质。经典的画作不论是哪个年代的欣赏者鉴赏，都能通过线条的曲折波动感受到创作者的意趣。
现代平面设计中线条有千万种的变化，曲直波折，虚实变幻，由此构成的图形世界能够更加多元化地表达现代社会人们的情感需求，具有线条感的设计作品在观者的印象中更加具有现代性，具有强烈的现代艺术形式美感的印象。将绘画中的线条融入到设计中，为现代设计打开了更高阶的大门，让现代设计具有了更丰富的表现形式。另外，将传统中国画运用线条的飘逸感到现代设计作品中，能够打上中国特色的印象，更加丰富作品的思想内涵。
（一）现代艺术设计实践中对中国水墨画构图和意境的运用。
中国画是一种“意象”艺术，“意”起着支配作用，“象”从属于“意”，以“意”造象，一切以“意”为之。中国传统绘画的意境构成法则，也可以成为平面设计中的构成法则。悠远缥缈或情感流动的意境，通过一定的精心设计构图，变成动态的可以无限幻化的云天、岚雾、江河、池沼等，既有传统的中国风，又体现了现代艺术设计的意境感。在现代艺术设计中，画面构图的意境化，可以使画面设计空灵有生气，使有限的直观画面充满诸多想象，产生此时无声胜有声的丰富效果，满足现代人更高的精神层面的需求。
（二）现代艺术设计优秀作品中对中国水墨画虚实结合的运用。
中国传统绘画，特别是水墨画的画面营造，在表面意象的刻画下，追求的是“意象之外”的意义，也即意境氛围的追求。要实现一定的意境氛围，就要通过调整画面景物的虚实关系。水墨画虚实的体现一般都是以“留白”“计白当黑”“以实观虚”等绘画理念来构成的，空白和虚景的运用能让画面更加富有空灵的感觉，也能给观者无限想象的空间。
现代平面设计的构图中，平衡好虚实关系一样很重要，实物多了，显得画面拥挤，信息太多反而过于纷杂，就要善于“实物虚化”；虚景多了，又会显得整体涣散，不能突出主题和重点，就要善于“虚物实化”，找到虚实之间的平衡点，才能实现空间上的合理安排，才能使整体画面活泼又不失重点突出，并且能营造逸致飘逸的中国风。
中国画中的水墨风格是在平面设计风格中运用得最常见也最重要的一种艺术表现形式，水墨风能够充分地运用虚实结合的艺术表现，使得要突出的对象描绘显得“似又不似”“似实而虚”，从而能在一定的意境中突出对象的神态。现如今涌现出很多优秀平面设计作品在营造意境时都采用了虚实结合的艺术表现手法。
（一）中国传统文化内涵在现代艺术设计中的重要性。
在现代社会中，设计风格的取向可以说是现代潮流的风向标了，设计所涉及的层面非常广泛，诸如色彩、工艺、材料等，设计作品通过这些物料的选择取用，能透出更深层次的一个时代人们的审美追求的潮流、生活方式的改变、价值观念的更新等上层建筑的建设。
中国传统绘画是经得起时间检验的经典艺术，其背后悠久而深厚的文化底蕴，是现代艺术设计取之不尽的源泉，同时也是现代设计获得具有中国特色风貌的文化宝库，能够让中国设计在世界文化领域占有一席之地。
（二）中国传统文化精神在艺术领域的发扬光大。
中国传统绘画充分体现了中华民族的文化内涵与特色，创作者以独特的东方视角以及审美思维来充分阐释了中华民族的文化特色。水墨画、工笔画等国画吸收了中国传统文化的精髓，充分体现了中国传统文化细腻、追求人的内心世界开掘的精神，国画中对于意境的追求、力透纸背的画法等都能够为艺术设计者提供更多的设计灵感。
中国传统绘画所体现出的独特的审美风格体现了东方文化的内涵价值。中国传统文化中的儒家文化精神——天人合一的自然观、礼治精神与人本精神等，使现当代中国艺术家和艺术设计者得以在世界艺术舞台崭露头角。
领导艺术论文
随着社会经济的迅速发展，人才作为一种可以增值的资源，在推动社会发展、提高生产力上起着至关重要的作用。从领导者角度出发，如何用好人、用对人，充分调动人才的工作积极性，则是领导者日常工作中必须考虑的问题之一。作为领导艺术中的一种，领导用人艺术是其选拔人才、使用人才的主要依据，同时也是做事成败的核心所在。换而言之，讲究用人艺术，能用人、会用人的领导者，才会胸襟开阔、不拘小节，以国家为重、人民利益为重，不计较个人得失，才会以包容之心，吸引广大贤能，才会真正重视和关心人才。
一.选“才”依据。
面对知识经济时代的迅速发展，人才与用人单位之间呈现出供大于求的局面，对此，如何选出“出类拔萃”的人才，主要取决于领导的选“才”依据，具体分析如下：
（一）爱才之心。
作为一名党员干部，在用人过程中，其根本前提在于具备一颗爱才之心，能够将党的事业与民族的千秋大业相联系，只有这样才能在用人中做到公正廉明、礼贤下士，吸引更多的人才为己所用。
（二）要知人善任。
作为领导用人艺术的最高境界，知人善任不仅关系着人才工作积极性的调动，同时还关系着下一步工作的顺利开展。领导者在“善任”前，首先要“知人”，即了解自己的部下、关心自己的部下，对他们的特长及工作能力做出科学、准确的评估，同时结合着岗位需求，对其进行合理安排，以此来达到事半功倍的效果。
（三）要有容才之量。
领导在选拨人才的过程中，应须知用才不易、容才更难的道理。任何一个人才都有自己的优缺点，优缺点的突出是成正比的。作为一名领导者，在用人时除了站在各个角度接纳不同的人才外，还要对不同性格的人才采取与之相符的领导方法，这就要求领导者要有海纳百川的胸怀，有求才若渴的意识，善于营造一种才尽其用、宽松和谐的环境，一种干事成事的氛围，团结一致，共同前进。
（四）要注重育人。
领导者要注重培养、教育现有的人才和潜在的人才。通过授权、增加工作难度、设定较高目标，给下属提供一个锻炼、施展才华的机会，可以增进下属的才干，有利于培养干部；通过重用年轻人，在他们身上适当压担子，使他们在实践中得到锻炼，早日脱颖而出。
（五）有效激励。
在调动下属员工工作积极性的过程中，有效的激励起着直接作用。一般来讲，在常用的激励方式中，可以将其分为精神激励与物质激励两大类，在实际应用中，精神激励与物质激励应呈现出相辅相成的关系，领导者要将二者有机的结合，才能充分调动员工的积极性、能动性与创造性，从而最大限度的发挥人才的能力与潜能。
（六）适当的表扬和批评。
表扬和批评运用的好，就能起到“表扬一个人，鼓舞一大批；批评一个人，教育一大片”的作用。运用的不好，就变成了“表扬一个人，打击一大批；批评一个人，灰心一大片”的作用。可见，正确运用表扬和批评艺术是非常重要的。这就需要领导者多动脑思考，注意表扬和批评的方式、方法、时机、对象、场合和环境，并发挥语言艺术，巧妙地进行批评和表扬。
二.用“才”艺术。
（一）选贤任能的艺术。
面对高等教育的不断普及，现代社会中人才济济、卧虎藏龙，领导者如何第一时间发掘这些人才，则需要具备选贤任能的用人艺术。首先，在日常工作中，要加强与下属员工的沟通，在了解其生活及工作状况后“知人善任”，在达到用人目的的'同时，还能有效的提高工作效率。
（二）用人之长的艺术。
清代诗人顾嗣协说：“骏马能历险，犁田不如牛；坚车能载重，渡河不如舟；舍长以求短，智者难为谋；生材贵适用，慎勿多苛求。”意思是只有用人之长，量才适用，才能发挥人的最佳效能。领导在用人时，应明确用人的核心在于“量才录用，取其所长，避其所短”，结合着人才的优势与岗位需求，将人才安排在合适的岗位上，真正做到因事择人、事得其人，只有这样才能做到“人尽其才，才尽其用，事尽其功，将能而君不御者胜”的目的，在充分调动人才工作积极性、创造性的同时，还能避免人才的浪费，达到人尽其才的目的。
（三）用人不疑，疑人不用的艺术。
任何一名员工在开展工作时，都希望得到领导的认可与信任。而领导在使用人才时，也要充分信任自己选拨的人才，真正做到以诚待人、推心置腹，以此来换取同舟共济、肝胆相照、共同进取。另一方面，古人常说“士为知己者死，才为知己者用”，从员工角度来看，领导的认可与信任，不仅能让自己的自尊得到满足，同时还能最大限度的发挥自己的聪明才智及工作积极性，在提高自己工作效率的同时，还能最大限度的实现自己的人生价值。纵观人类用人史，凡是豁达、高明的领导者，在开创一代盛世的过程中，都能做到“用人不疑，疑人不用”，领导在用人方面，也应如此。
（四）合理授权的艺术。
依据我国党章原则，任何党员干部在工作中，在没有经过集体讨论之前，是没有权利对其管辖范围内的重大问题做出处理决定，即便是在实行首长负责制的政府机构和企事业单位，领导人员也应结合着事件的大小，积极征询、搜集同级干部及下级人员的意见，在综合考虑后作出决断，避免个人专断的现象出现。然而针对一些紧急状况，在特殊条件下，需要领导授权给员工，使其能够面对突然问题时，第一时间做出决断，避免问题的扩大化。这就要求领导在授权时，能够处以公心，确保领导与下属员工的共同利益趋于一致，在明确各自责权的基础上，本着完成工作得原则，相互信任、彼此配合，最大限度的发挥自己的优势。与此同时，领导人员还应结合着下属的实际能力，对所有干部的综合工作能力进行科学分析与定期考察，在提高下属人员工作能力的同时，还能把适宜的权利与责任授予最合适的人选。这样做的目的优势主要体现在两个方面，首先，领导与员工在开展工作时，能够做到责、权、利分明，下属员工在具备一定权利后，能够增强自己的责任感与信息，工作效率可想而知；其次，可以把领导从杂务中解放出来，去考虑大政方针。这样，双方均可取长补短，相互促进。
总结：
综上所述，在体现领导高超的领导艺术时，其核心依据在于该领导是否精通用人之道、能慧眼识人的能力，只有具备这些能力，才能在众多人才中挑出真正为己所用的人才来辅助自己的工作。人才作为社会各个部门发展、前进的根本，这就要求领导者本着一切从实际出发的原则，从战略角度出发，最大限度的发挥全体员工的个人价值，使其能够积极的投入到今后的工作中。
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音乐艺术论文
在建设中华民族先进文化和社会主义精神文明的实践中，高校校园文化占有极其重要的位置。《教育部思政司关于2006年推进高校校园文化建设有关工作的通知》明确指出：高校校园文化是社会主义先进文化的重要组成部分。加强高校校园文化建设对于推进高等教育改革、发展，加强和改进大学生思想政治教育，全面提高大学生综合素质，具有十分重要的意义。
早在1999年全国教育工作会议上，素质教育中的美育就已被正式列入国家教育方针，明确了其在人才培养中的重要地位。实施美育教育，最根本的就是实施艺术教育(包括音乐、舞蹈、戏剧和美术等)，音乐艺术论文范文艺术教育杂志是我国素质教育的基础，而音乐教育又是艺术教育的主体。音乐教育由于它独特的情操陶冶、深化认识、智能开发和心理平衡等功能，能够达到其他学科不可替代的和其他艺术形式所难以达到的感化、悟化、净化等作用。音乐教育作为校园文化的一种，作为素质教育重要的有机组成部分，它的质量如何直接关系到高校美育的实施，关系到素质教育的全面实施。因此，发展校园文化中的音乐教育应着眼于全面提高青年学生的素质，培养他们的音乐实践能力和创新精神，其分别定位为：以乐辅德、以乐益智、以乐促体、以乐怡情。
现阶段，我国大学开设的各类专业课程所教授给学生的仅仅是将来服务于社会的基本知识和技能，而新时期的大学生作为国家未来的建设者，不仅应掌握先进的科学知识和学术方法，同时更应具备全面的文化底蕴与个人素质。前苏联教育家苏霍姆林斯基说过：“进行音乐教育的目的，不是把受教育者都培养成音乐家，音乐艺术论文范文而是使其成为全面和谐发展的人才。”法国文豪雨果说过:“文字、数字、音符是开启人类智慧宝库的三把钥匙。”我国古代伟大的思想家、教育家孔子，在两千多年前就提出了以乐育人的.观点，他认为，人之学，应“兴于诗，立于礼，成于乐”(《论语?泰伯》)。音乐为人格修养的最高境界，以音乐为其学习的最终完结。《礼记?乐记》中对音乐教育与德育的关系也有着深刻的论述：“乐者，通过伦理也。闻宫音，使人温舒广大;闻商音，使人方正而好义;闻角音，使人恻隐而爱人;闻徵音，使人乐善好施;闻羽音，使人齐整。”因此，音乐是高校校园文化生活的重要组成部份，没有校园音乐文化的素质教育既是存在缺陷的，也是缺乏科学性的。
那么，校园音乐文化的建设在高校校园文化中的作用如何呢?主要包括以下三方面：
首先，音乐教育是培养学生审美能力的重要手段。音乐作为一种审美表演艺术，它表现的手段、创造的形象，以及表达的情感，都极具强烈的时代性，民族性，蕴涵着深厚的审美经验。
普通高校实施音乐文化教育，目的在于用“优秀的作品鼓舞人，高尚的情操塑造人”。我国自古就有“闻其乐而知其德”、“以乐观德”的论述，审音乐艺术不同于其他艺术之处，正在于音乐的声音形式同人的内心生活之间的关系最为密切，它们之间存在着某种“对应”关系。音乐的审美优势在于培养人的审美情感，音乐艺术论文范文资料库学生之所以从音乐作品中感受到政治、道德、伦理方面的影响，主要是音乐中的情感对他们发生了巨大的作用，而审美情感往往和人们的道德情感相联系。欣赏和理解好的音乐作品，如优美的旋律、生动的唱词、高超的演奏技艺等，能够愉悦人的情感、引起共鸣，高雅的音乐还能够激励人心、振奋精神，可以使大学生在触景生情、借物咏志的音乐旋律中，人生观、价值观、思想道德等受到洗礼和提高。因此，对高校学生中实施音乐文化教育，可以培养学生的审美能力和高尚的人格，陶冶心灵，塑造高尚的精神情操，培养学生健康、丰富的感情世界。
其次，音乐教育可以促进学生思维能力和创新能力的全面发展。音乐艺术职称评定人的智力包括感知、观察、记忆、想象、创造等形象思维和逻辑思维的能力，音乐思维是形象思维的一种重要形式。音乐对人的大脑的启发作用，主要是通过音乐对大脑右半球的刺激来实现，进而对人的精神状态和意志心智产生潜移默化的影响，这种影响对人的创新能力的培养和塑造具有伟大的力量。
凡是杰出的科学家，都有很好的空间想象与形象思维能力。据统计，世界上多个领域的1000多位有杰出贡献的人物中，百分之七八十都受过良好的音乐教育。爱因斯坦是杰出的物理学家，同时也是一位出色的小提琴手和钢琴手，他对古典音乐有着浓厚的兴趣和很高的造诣。1905年，他发明狭义相对论时，正是在弹钢琴时突然灵感来临，便连续工作了两周而完成的。后来他曾说：“没有早年的音乐教育，无论在哪一方面我都将一事无成”，他甚至认为“艺术使他比从物理那里获得更多的东西”，“从艺术而获得的想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力是无限的，并且是知识进化的源泉。”我国著名科学家钱学森也曾谈到：“在我对一件工作遇到困难而百思不得其解的时候，往往是蒋英的歌声让我豁然开朗，受到启发。这是艺术对科学的促进作用。”美国两千多所大学中，就有一千三百多所大学设有音乐学院和音乐系，因此，音乐艺术对人的精神境界的升华、思维方式的拓宽、想象力、创造力的开发有着不可低估的作用。
再次，大学生正处于身心发育趋于成熟的青春期阶段，他们的世界观、人生观、价值观还不够成熟、稳定，面对竞争日益激烈的社会，健康的心理品质对学生显得尤为重要。我们可以通过欣赏音乐影响学生的情感，从而直接作用于他们的心灵，在音乐美感的愉悦和享受过程中，使情感得以升华，心灵得以净化，产生一种潜移默化的精神力量。学生要获得真正意义上的健康，就必须使其生理健康与心理、精神上的健康达到和谐统一。
基于以上校园音乐文化建设在高校校园文化中的作用，不少高校已经明确提出了“崇尚品位”的校园音乐文化建设方向,在具体落实的过程中坚持“以音乐教育活动为龙头,努力提高师生的音乐素养”的方向,积极开展音乐实践活动，丰富校园文化生活。例如：开设音乐欣赏课、举办校园艺术节、进行爱国主义合唱比赛、校园原创歌曲大赛、建立各种形式的社团活动;举办高雅艺术、古典音乐进校园活动,邀请艺术家到校园与学生进行面对面的音乐艺术交流，组织合唱队、舞蹈队、铜管乐队、交响乐团，运用各种表演形式给学生以自我表现的空间，达到认识自我、增强信心、满足学生精神需要、开阔视野、促进学生全面发展。
教育是慢艺术论文
《教育是慢的艺术》是福建著名学者张文质先生的作品。与其他许多教育理论书籍不同的是，这是一本教育演讲的集子，共收录了张文质老师从到五年间的12篇演讲实录，其中，有四篇是与1＋1读书俱乐部成员聚会时的发言，有八篇是到各地学校的演讲，篇幅最长的是后面五篇，占了全书的四分之三。
言为心声，文如其人。张老师的演讲，通常是“没有完整的讲稿”，“和大家面对面的谈话时捕捉头脑中快速生成的影像，甚至是不太完整的对某个问题的理解”的呈现。这种生成性为讲演注入了更多鲜活的魅力，反复品读这些“原汁原味”的文字，我仿佛又回到了聆听先生讲座的酷热八月的上海会场，时而言辞犀利、鞭辟入里，时而充分肯定、赞赏有加，时而殷切期盼、信心满怀……从他身上，我不仅看到了生命化教育的希望与未来，更看到了一个有良知的有责任感的教育学者长期致力于教育革新与唤醒的赤诚行动。
一、生命化教育的倡导者、实践者。
对生命化教育本质的诠释应当数他20末在永春师范的一次讲演最为经典。他说，“所谓生命化教育，其实就是一个精神的理念，是对更美好的教育的一种价值诉求。”用一句话来表达，那就是，“把对每一个儿童的理解、关爱、信任、成全，在具体的教育过程中体现出来，它不是仅仅停留在理念上的表达和理解，它必须在具体的实践过程中体现出来。”
在他看来，所谓教育，就是对每一个个体生命发展可能性的成全，社会需要这样，学校更要这样。教育是慢的艺术，他通过自己的行走与观察，对许许多多无视生命漠视生命的反教育急功近利的教育行为痛心疾首，振臂高呼生命的尊严，告诉我们生命的可贵，引导我们期待生命的美好。作为一线教师，我们明白，在现实的教育环境下，要达成这种从生命本原出发的教育理念是何其困难，但张老师始终不气馁不争辩，他以巨大的勇气与力量一直坚守着自己的信念。
二、想大事情，做小事情。
面对“落花流水”般的教育环境，张老师对所有一线老师都寄予了深深的理解与敬意，每到一处，他总是平等而亲切地勉励所有的老师们，如何在面对现实的同时，寻求内心精神的丰盈。他处处强调，教师要能够既想大事情，更做小事情。在“生命化教育”12人研究小组聚会上，他说：“今天我们能做的也许不是对教育的想象，而是只能提醒自己这就是我们生存的现实。”但既使这样，“我们要努力回到生命当有的更坚韧的立场，回到作为个人的承担——观察、记录、思考、对话、写作，努力做一个行动者。……努力培植自己更丰富的教育智慧，努力不使自己变得迟钝、衰竭、愚蠢、丧失热情，努力在具体的工作中生发出更多的生命热度与温情，相信自己就是相信灵魂未死的价值，哪怕一点一滴，不是逃向苍天，而是回到尘土，既受苦又痴迷于自己笨拙的努力。”
3月他在福州格致中学鼓山校区论坛上说：“不要偷走孩子的梦想。我们正面临着前所未有的教育危机，不是哪所学校，而是这就是我们共同的境遇，教育需要思考大问题，教育也需要在小事上持续、耐心地努力。”
4月他在福州十八中市级专题研讨会上，谈到规模宏大的巨型学校在探索有效教学的艰难时，仍不失时机地肯定到：“教育需要我们每一个人都贡献出一点点自己的见解，提出一点点自己的思考，它不一定有价值，但作为一个思想的提问者，还是有意义的。”这就是张老师所说的“想大事情”。
那什么是做小事情呢？
张老师说：教师“管好自己的课堂”是做小事情；教师“多一种经历，多读一本书，增强生命的强度”是做小事情；教师“说真话，做真事，善待第一个学生”是做小事情；教师“有学习的倾向，学习的意识和习惯”是做小事情；和同事“交流教育心得，遇到困难开始研讨”是做小事情；甚至每天“把自己收拾得更干净一点等等”也是做小事情。
而作为学校，在“校园内很多树下放有凳子，可以供孩子们课间能够坐着休息”是做小事情；“在校门口放着两排椅子供来接送的家长坐着休息”也是做小事情……他认为，小事情是有着巨大能量的。“目光向内才可能知道自己的责任，才可能知道一切变革正因为‘我’的参与而变得更有可能。”
6月，他在泉州骨干教师培训会上对培训学员们说：“我们几乎没办法在大的格局中做出什么，但在我们的身边就有可为的事情，作为一个目击者，一个见证人，观察者，记录者，思考者，作为一个发出自己声音的人。……我把它看作是自己的行动准则，就是想大问题做小事情，大问题要思考，小事情要践行。要从我们能够改变的地方去尝试。”
在永春师范的生命化教育的讲演中，他谈到教师要随顺人的禀赋，树立一个乐观的学生观时，他说：“我们既能够有所思想，也能够有所行动，以自己的创造性工作表达出对学生的信任和期待，也表达出相信每个人都有更美好未来的信心。”每一个教师都应“时时提醒自己、改变自己、克制自己的否定性思维，一点一点地变得阳光起来，积极一点，主动一点，努力在责任之中表达出我们对生命的眷恋。”
三、深入学校、深入课堂。
从他的书中，我捕捉到了一个教育学者十几年来不懈的真实的行走历程。他深入学校，深入课堂，把自己的教育思考，牢固地扎根在真正的教育基层学校的土壤里。他跑遍了各种各样的学校，城市的、乡村的、城郊结合部的、中学的、小学的、公办的、民办的等等。他说：“我热衷到学校听课，也比较信赖自己所看到的。在这样的现场，你同样是一个教育的承担者，同时往往能够获得一些原先未曾料想到颖悟。”
四、纯朴的乡村教育情结。
如果说今天的教育环境已是“落花流水”的话，那乡村教育则早已是“落荒而逃”了。优秀的老师们逃了，优秀的学生们逃了，经费紧张，办学艰难，已非同一般可言。拿我的老家湖北荆州的情况来说吧。家在农村的，只要家长有稍许能耐，都会想方设法让孩子到县城区学校去读书，而乡镇学校的老师，也通常会想方设法调到城区学校去工作。而城区的优秀学生呢？则是流向条件、资源更好的地级市学校或省会城市学校，优秀的老师基本上也是如此。
张老师深切关注农村的教育，常常深入农村学校进行调研讲学，更把很多农村学校作为生命化教育的实验学校来研究。他一针见血地指出：“我觉得教育最沉重的问题首农村教育问题。”“今天农村教育问题有一个比高考更沉重的话题，就是这些年来，农村的孩子进入重点大学、进入名牌大学的比例逐年下除，像北大、清华差不多就是15％，所以很多农村的孩子只能上二流、三流、四流，不入流的大学甚至是那些‘野鸡大学’。”
他的敏锐，不是一般的学者可以比的；他的敢言，也不是一般的官员可以比的。阅读这些讲演实录，我常常惊讶于张老师的勇敢，这是一种口无遮拦地道出真相，这是一种残忍难堪的逼近真实。讲真话在当下其实是很困难的事情。我们不是不知道真相是什么，而是说出真相太难了，我们也不是不知道真相被揭露的话会改善现实，但依然选择了沉默，因为，坚持说真话太麻烦，太危险了。
我跟张老师一样，也是从农村走出来的，脚上的泥巴还没有洗干净，脚底还是乡下的泥土，如今虽然生活在南方城市，但我的心仍然扎在老家那一个闭塞贫穷的小村落里。我没有可能再回到老家回到乡村去工作，但我对张老师这样一种质朴的农村教育情怀充满了敬意。他可以一连十几次地到同一所乡村学校——晋江龙林小学去听课调研，可以到农村乡镇去义务讲学，可以到泉州市一所乡镇学校（永和中学）跟学校教师们进行多次座谈、跟学生面对面地对话。
他不是浮在面上，只有空空的关爱；他不是浮光掠影地到此一游，只有留存的乡村图片；他把行动把责任建立在对众多乡村实验学校不辞辛劳的指导与实践之中；他勉励在乡村工作的老师们，要“学会妥协，学会调整，在妥协中前进，在调整中提高”努力增强自我生命的强度。他更大声向有志之士向社会强烈呼吁：目前，农村更需要一种新的教育理念，农村教育需要更多的人来关注。
与这一本书相遇，是我暑假赴上海的一个意外收获。当我在上海兴高采烈请张老师签名合影时，我感动于文质老师的平等与亲切，读完这本书，我更感动于张文质老师这份教育的赤诚。仰望星空，脚踏实地，也是我的教育责任。
艺术论文
二度创作属于二胡艺术实践过程中不容缺少的重要环节，二胡艺术家们往往会结合自身阅历或者是情感认知等情况，运用科学化的技法技能就二胡音乐作品实施个性化以及多维度展现。此外，二胡演奏者们所具有的较强二度创作能力并不是在短时间内培养出来的，必须要在长时间艰苦奋斗的基础上形成。二度创作能力培养需要在扎实基本功前提下，不断积累阅历，促进艺术素养水平的提升，全面把握二胡音乐所具有的地域性以及时代性，增强二胡创作能力。本文就二胡表演艺术中的二度创作与实践展开详细论述。
：二胡表演艺术；二度创作；实践。
音乐一度创作属于二度创作的重要基础。从某种程度上讲，所有音乐作品都是借助音乐表演二度创作向听众展现的，然后在表演人员艺术表现力基础上引发听众们的共鸣。然而由于表演人员自身条件因素，音乐表达或者是传递期间给予听众的感受往往是不同的。具体来说，二胡艺术的音色比较柔美，且表现力非常丰富，在表现手法方面是多层次的，并因历史文化渊源受到广大听众朋友们的喜爱。因此，现阶段对二胡音乐实际表演过程中存在的二度创作进行分析研究，不仅在二胡教学方面有重要意义，而且在社会效应方面也发挥着重要作用。
从专业化角度出发，所有表演艺术发展过程中，其艺术行为可以从狭义角度划分为三个阶段，也就是创作阶段、表演阶段以及欣赏阶段。在这三个阶段当中，艺术家属于创作以及表演艺术的自然主体，而观众则属于欣赏层面的自然主体。音乐作曲家们把多种音乐素材以及创作技法进行有机，使其成为一个整体，并在此过程中融入相应的思想感情，最终创作出完整化音乐作品，该音乐创作过程我们可以将其称为一度创作[1]。而在一度创作前提之下，音乐表演人员结合自身对于相关乐谱的不同解读以及对于乐器本体技法情况的熟练掌握，借助乐曲充分表达内心情感，然后将表演人员的自身经历不断融入其中，进而表现出风格各异的表演，这种表演可以称为二度创作[2]。从二度创作的特点上来看，二度创作中的表演人员在整个表演期间不仅要充分阐释作品深层次内涵，而且要融入一定的创造性表演，使其与他人的艺术有所区别，体现艺术的个性化特征。
音乐表演是二度创作，同时也是赋予音乐作品强大生命力的创造行为。音乐表演不仅要做到对原作品的真实再现，而且要借助表演进行不断创造，就原作品实施补充以及丰富，致力于超出作曲家本来设想，加入新鲜活力，使表演艺术重焕光彩，这也是音乐表演以二度创作形式存在的本质性意义。因此，我们可以说二胡演奏人员的二度创作属于二胡演奏者对作品生命力的再次赋予，在一定程度上避免了二胡演奏生硬再现原作问题的出现[3]。实质上，二胡音乐演奏并不是对于前辈艺术家相关演奏技法以及表现情感的单纯性模仿，也不是机械朗读原作谱面，而是表演艺术家们在自身阅历、情感积累以及能力认知等条件下，就二胡音乐作品实施的个性化以及多维度的再次展现[4]。只有这样才可以充分满足相关欣赏主体所具有的多元化审美，从根本上促进二胡艺术可持续性发展。此外，二胡演奏家作为二胡音乐作品以及观众之间的重要桥梁，所发挥的沟通交流作用是显而易见的，一个优秀二胡作品只有在融入演奏人员个性化二度创作的基础上，才可以从内容层面以及形式层面进一步赋予音乐作品核心灵魂。
通常情况下，二胡表演艺术当中的二度创作需要经历三个阶段，具体如下：
第一，二胡表演二度创作的理论准备阶段。在该阶段，我们需要就作曲家所处于的特定化历史时代以及社会背景进行全面化了解。究其原因在于作曲家属于特定历史时代中的人，其创作往往会受到特定历史时代发展情况、社会意识以及民族文化等方面的滋润以及影响，进而在实际音乐作品当中表现出个性化的人格追求以及独特风格特征[5]。总而言之，二胡作曲家作品中一般会凝结着作曲家自身对于大自然、社会以及道德等的感受与领悟。
第二，二胡二度创作的技术操作阶段。当顺利结束理论阶段准备之后，就可以进入到技术操作阶段中去了。因二胡作曲家一般是借助旋律、复调、曲式以及和声等创作手段，实现对自然、社会与道德等感受有效融入的。所以说，在二胡演奏家二度创作过程中，创作人员必须要就乐谱旋律、和声以及复调等技法，从技术层面实施深入化分析研究，最终实现音乐作品全面化、系统化的呈现。例如，在二胡演奏曲目《二泉映月》当中，二胡演奏者应注重右手弓法的合理运用，然后选择存在音头的专业化换弓方法，也就是音头换弓，还可以叫做“传统换弓”。其特点在于所发出来的音色相对来说比较扎实质朴以及刚劲有力，能够很好地切合《二泉映月》所要表达的内涵。如果在实际工作中运用无音头换弓方法，也就是“无痕换弓”，则音乐听上去会过于华丽以及水灵，无太多的冲突感，而且爆发力也相对较弱，难以充分表达出《二泉映月》的苍凉以及刚劲。
第三，二胡二度创作的演绎对比阶段。从某种程度上讲，一部非常优秀的二胡演奏作品，必须要经受得住历史考验以及时间冲刷。当优秀作品经历了一定的时代变迁之后，往往会被具体所处该时代的作品演奏家们因历史文化因素以及人文自然因素等的影响而做出不同演绎，甚至会在同一时期内演变出差异化流派，一般表现为不同演奏人员或者是同一个时代但流派存在差异的演奏家们在对同一部作品进行演绎的时候，会表现出个性化风格特征[6]。所以说，一个较为成熟的二胡演奏家必须要在文化以及艺术不同风格或者是不同流派对比研究当中，紧紧把握作品内容以及独特化的艺术个性。然后在此前提下，二胡演奏家们再参照或者是吸收同时代不同演奏家们关于作品演奏的精华，进而发掘出自己对于音乐作品的独特感受，形成合理化的音乐演奏方案。当然，当演奏家形成个性化艺术风格的时候，应紧紧把握“度”的基本原则。该原则要求二胡演奏家们必须要就自己的独特艺术表现力与作品原始创作意图进行平衡。比如，美国音乐评论家约瑟夫巴诺威茨指出：“成功的演奏必定是演奏者的个性与作曲家的个性融为一体，而不是任何一方受到压抑。这两者之间永远需要一种微妙的平衡。”
总而言之，二度创作属于促进二胡艺术可持续发展的重要动力源泉，同时也是构架二胡作曲人员以及听众的关键性桥梁。当二胡演奏者拥有较强二度创作能力之后，就可以增强二胡音乐作品所具有的流传度，从而充分发挥二胡艺术价值。然而，二胡演奏者所具有的二度创作能力培养属于一个长期过程，必须要具有较为扎实的基本功，并具备较为丰富的生活阅历，不断提升艺术素养，全面把握二胡音乐作品所处于的地域性特征，增强二度创作能力。
[1]朱国昌。解释学视角下钢琴演奏中的二度创作意义——论钢琴表演艺术中的“视域融合”[j].齐齐哈尔大学学报(哲学社会科学版).2012，05:155-157.
[3]季维模。三个高峰三座丰碑赏析《江河水》.《新婚别》.《长城随想》，走进闵氏博大境界的二胡艺术[j].中国音乐。2013.01:144-150+199.
陶瓷艺术论文
陶瓷绘画艺术从其本质上进行分析，其是在陶瓷这个载体上进行绘画而形成的艺术，陶瓷绘画与陶瓷装饰不同，陶瓷绘画主要是以陶瓷为载体，将绘画工艺呈现出来，陶瓷绘画主要是以线条、色彩为主进行图形的构造，与陶瓷工艺结合在一起，形成一种艺术，一种文化精神。中国陶瓷绘画的内容可以分为三种，第一，花鸟；第二，人物；第三，山水。在中国陶瓷绘画内容中呈现出来的这三种内容，在陶瓷绘画中，具有不同的涵义，例如在中国历史中的石器时代，花鸟等图案出现时期，将石器时代的神秘的宗教图腾精神呈现出来。山水绘画，呈现出来的是艺术意境，虽然山水画受到中国水墨的影响，但是在陶瓷绘画中，山水绘画也呈现出来了一定的民间意味，是人们思想情感的一种表达，是人们的自我意识，也是人们希望的寄托。从中国历史进行分析，陶瓷绘画在明清时期发展到了一个巅峰时期，陶瓷的制作艺术、陶瓷绘画艺术均得到了显著的提升和发展，这一时期，创造出了非常多精美的陶瓷艺术工艺品。从明清时期的陶瓷绘画艺术进行分析，明清时期产生的陶瓷绘画艺术品种类、花样繁多，其中最为主要有青花绘画、五彩绘画等。陶瓷绘画在明清两个时代中的发展，体现出了不同的特征，在明朝初期，陶瓷绘画已经发展到相对成熟的阶段，陶瓷绘画中的纹饰生动形象，在一定程度上是延续了元朝陶瓷绘画的风格，例如永乐宣德时期的青花瓷，纹饰纤细，以淡雅、沉静为主。明朝嘉靖时期，彩陶发展到巅峰时期，陶瓷绘画纹饰鲜明、多彩。清朝康熙时期，陶瓷绘画中青花瓷的绘画苍劲有力，在色彩上、工艺上更加的鲜艳夺目，此时的陶瓷绘画作品风格，相对的娇艳，但是又不失淡雅。乾隆年间的陶瓷绘画主要以奢华为主，陶瓷品上的纹饰线条柔和、规整纤细、精致繁缛。虽然陶瓷绘画艺术在不断地发展，不断的革新，但是在其发展的过程中，始终保持着对中华文化的发扬和传承，在陶瓷绘画发展中，民间艺术精神发挥着积极的推动作用。
2.1明清陶瓷人物绘画中的民间艺术精神。
明清陶瓷可以分为官窑和民窑，不管是官窑还是民窑，其陶瓷绘画中均体现着民间艺术精神。在明清时期，青花非常受欢迎，在陶瓷纹饰中以人物为主进行绘画的陶瓷工艺品非常少见，但是也有一些例如高士图、仕女图、婴戏图等。我们以婴戏图为主进行分析，婴戏图中的主要内容是对婴幼儿的嬉戏玩耍进行描述，将婴幼儿的天真烂漫体现呈现出来，婴戏图具有深刻的意义。明清时期，民窑陶瓷绘画中的人物简单而有神，表情生动，民窑陶瓷人物绘画，富有民间意趣，将百姓淳朴的生活真实的反映出来，同时又呈现出人们对美好生活向往的积极力量，这种民间自然和谐的艺术精神、思想精神，在官窑陶瓷绘画中非常少见。
2.2明清陶瓷花鸟绘画中的民间艺术精神。
花鸟绘画类型的陶瓷在明清时期非常的常见，在陶瓷花鸟绘画中，不仅有灵动的花虫鸟兽，还有代表地位、贵族气质的龙凤兽等。在明清时期官窑陶瓷绘画中，生产最多的是带有龙纹饰的陶瓷，龙是中华民族的图腾象征，将龙栩栩如生地呈现在人们的面前，死后人们对民族图腾的崇尚，也体现着民族精神。官窑陶瓷绘画中的龙纹来源于民间艺术，是百姓对生命需求的寄托，在官窑陶瓷中龙纹绘画，体现着富有创造性民间艺术精神。明清民窑陶瓷绘画中，花鸟的绘画，多体现在灵动、自由、活泼等方面，在民窑陶瓷花鸟绘画中，体现出来的是狂野的生命力，将最淳朴的民间艺术精神体现出来。在民窑中，动物题材的陶瓷非常多，龙凤是百姓最喜欢的动物，龙、风是生命力的象征，百姓的对龙凤的喜爱，也是百姓对生活美好、幸福的向往。在民窑陶瓷花鸟绘画中，体现着积极向上的民间艺术精神。
2.3明清陶瓷山水绘画中的民间艺术精神。
从明清两代陶瓷绘画的发展进行分析，人物绘画、花鸟绘画的发展相对较早，而山水绘画的发展起步较晚，所以明清时期的陶瓷山水绘画工艺品较少。在明清时期官窑中的山水陶瓷绘画主要在永乐和康熙时期，在康熙时期的发展，有较高的成就。明朝永乐时期产生的官窑陶瓷山水绘画代表作品有青花海水江崖纹三足炉，该件官窑中的山水绘画呈现出来的是翻滚汹涌的海浪，结合三足炉自身的特点，呈现出一种雄伟气魄的景象，具有雄视天下江山的寓意，将当时皇室的盛世、审美、精神需求等进行充分的体现。在康熙时期的官窑山水绘画，富有文人气息，山水景物的取景具有广阔的视觉，在皇室使用的陶瓷中，山水绘画图案，具有吉祥如意的意思，例如山石、海浪等，其代表着长寿多福，在官窑山水绘画中这些意象来自民间，体现了富有创造力的民间艺术精神。在民窑山水绘画中，山水风景是一种绘画装饰，是百姓对休闲、安逸生活的一种向往。民窑陶瓷上的山水绘画，是百姓对现实生活的一种映射，是百姓对自由生活的憧憬。民窑山水绘画发展较晚，而且大部分山水绘画是文人对自己情感的抒发，将其心声向往的自由世界呈现出来，也将民间艺术精神进行了体现。
中国有着上下五千年的文化历史，在悠久的历史长河中，民间艺术是重要的组成部分，是中国民族传统文化，包含着中国人民的智慧和文化底蕴。民间艺术它是一个多概念的词语，可以将其理解为劳动人们的美术，还可以将其理解为大众美术，民间艺术是有普通老百姓自己创造的一种美术。随着历史的发展，民间艺术在创作的过程中，不再是简单的审美，民间艺术的创作开始融入功利实用的动机，所以民间艺术作品大多为工艺品，而且这些工艺品在生活中，具有自己独特的不可缺少的实用性。民间艺术的实用性体现在两个方面，一个是精神实用，一个是物质实用。在民间艺术精神中，最为突出的有三点，第一，祈子延寿；第二、驱魔辟邪；第三，招财纳福。民间传统文化艺术精神是劳动者智慧的结晶，是其精神追求和期望，在长期的发展和时间中，逐渐地形成民间传统艺术思想，民间艺术精神是中华人们智慧的本质，是中国文化发展中，无法替代的一种文化精神，是劳动审美、艺术创作的内涵。明清时期的陶瓷绘画艺术，充分地展现了民间艺术精神，在陶瓷绘画中，不仅讲究绘画的工艺技巧，材料的表现性，还需要强调陶瓷绘画艺术的形式美、表达性，民间艺术精神在陶瓷绘画中的融入，呈现出了陶瓷绘画的不同艺术风格。中国拥有优秀的传统艺术文化和历史，明清时期的陶瓷绘画艺术中的民间艺术精神，不仅对中国传统艺术魅力的欣赏和学习，也是为了更好的宣传和发扬中国传统文化艺术。在中国传统文化艺术发展的过程中，民间艺术精神发挥着重要的作用，促进传统文化的发展，民间艺术精神，是中国传统文化发展的支撑，是中国传统文化艺术形式多样的重要影响，也是传统文化艺术形成的灵感源泉，发展传统文化艺术，研究民间艺术精神，在传统艺术文化传承的过程中，具有重要的意义。通过对明清时期陶瓷绘画艺术中民间艺术精神的作用、体现进行研究，也让我们认识到中国陶瓷艺术发展的民间艺术精神的重要性，让我们知道民间传统艺术在陶瓷护绘画中精神之美，知道中国民间文化艺术精神，在中国传统文化发展中存在价值和意义，让我们不断地传承和发扬中国传统民间文化艺术，发扬民间艺术精神，保护民间传统文化艺术。保护中国传统文化艺术。
民间艺术精神，在中国传统文化发展中，发挥着重要的作用，为陶瓷绘画的发展，带来了积极的影响。民间艺术精神不仅推动中国陶瓷绘画的发展，其中富有的丰富的文化底蕴，也包含了一定的知识和哲理，可以说民间艺术精神的发展、运用，促进人类向更好的方向发展，需要将其发扬和传承下去。民间艺术精神给人们带来的积极影响和意义，是其他艺术精神、文化精神所不能替代的，民间艺术精神是中国民族艺术以及价值观的体现，在陶瓷绘画中，民间艺术精神具有重要的价值。
陶瓷艺术论文
在舞台美术设计中，背景色彩与主色彩的融合也是决定舞台表演成败的关键，一场好的舞台艺术表演往往拥有完美的色调搭配，所以在舞台美术设计的色彩搭配上，一定要注意强化主题的表现力，应结合不同的色彩对其舞台背景色彩进行不同阶层的搭配。如使用反差系数较大的色彩搭配的舞台，其可见度就往往要高过使用临近色调搭配的可见度。所以，在舞台美术设计中，应尽量采用简洁明快的色调，从而给人们留下深刻的印象。色彩是决定舞美设计效果的重要因素，在舞台美术设计中，色彩往往能够直接映入观众的视线，它不仅是舞美设计中最能表达情感的元素，同时也使舞美设计拥有了独特的韵味。
二、舞台美术设计中色彩的具体运用。
色彩是人们的情感和思想基调的表达。在舞美设计中，色彩的运用主要包括布景色彩、化妆设计色彩、服装色彩以及灯光色彩四种，设计者只有合理地运用了色彩，使其在舞台艺术表演中对观众产生了强大的视觉冲击力，才能够使得舞美设计达到理想的艺术效果。
1、布景色彩的运用。
作为舞台的表演形式之一，舞台布景在舞美设计中占有重要的地位，对布景色彩的运用直接关系到了舞台表演的好坏。舞台布景设计是以剧本的相关内容及导演的设计意图为指导，并配以各种道具材料的使用，采取平面与立体相结合的方法来使舞台的表演达到最佳演出效果的设计过程。而为了准确定义剧本所设定的环境，就必须依托色彩的调配来设计舞台的布景。布景的设置主要有背景图和道具两种，背景图应配合剧情需要进行舞台设计，同时还要注意与主色调的合理搭配。舞台布景的色彩通常需要体现不同剧本的不同风格，这就要求设计者应根据剧本的悲喜色彩和现实性来采用不同的布景色彩。例如在写实类的剧本表演中，布景色彩的设计就应该以现实生活素材为依据来合理地组成背景。如剧中如果要求有山和水的场景描述，那么舞台背景就应该使用青色的背景来表现；而在虚幻类的舞台表演中，就需要使用一些夸张的色调，如粉色的天空和黑色的群山等。只有采用合理的布景色彩，才能够使表演具有独特的神韵。除此之外，道具也是舞台布景设计中的一部分，其可分为随身道具、大道具和小道具三种。舞美设计者在使用这些道具时，应注意两个主要问题，一是要充分考虑到舞台的整体效果，将色彩巧妙融合于整体色调之内，而不是单一地突出某一件道具，导致舞台表演失去了整体的协调性和美感；二是要注意道具与布景之间的相互对比关系，通常深色布景下的道具应选择浅色类，而在浅色布景中则应该选择深色类的道具。如舞台布景如果以花色调为主，那么像衣柜、沙发等道具就要使用纯色。只有使背景和道具的运用与周围环境相协调一致，才不会给观众带来审美疲劳。
2、化妆设计色彩的运用。
化妆是塑造舞台人物艺术形象的重要手段之一，它要根据表演者所扮演角色的年龄、性格、性别等特点，来对人物进行装饰和美化。通过舞台化妆设计的妆容和造型，能够很好地突出表演者的独一性，使观众能够对角色进行准确地判断和分类，使表演者能充分发挥其最大的优势去给观众呈现其舞台表演的魅力，从而使其在艺术表演中获得个人潜力的升华。想要达到优秀的舞台表演效果，舞台化妆设计必不可少。由于舞台剧本不同，化妆手法也不同，因此所呈现出的效果也就会有所差异。通常舞台妆容都需要通过对各种工具的运用，并配合化妆设计的基本原则，采用合理的化妆技巧来对舞台表演者的五官及其他部位进行描画和大面积的渲染，从而使其妆容在配合舞台表演的同时能够强化表演的主题意象。化妆设计所使用的材料主要以色彩为主，所使用的色彩与图案不同，舞台人物所呈现出的特征也就不尽相同。如在戏剧舞台表演中，设计师就常常通过对人物脸谱色彩的刻画来突出不同人物的性格特征，如代表正直忠义的红脸关公和代表奸诈无常的白脸曹操等。作为一名合格的化妆师，理应正确地认识和把握色彩的使用程度，在设计舞台妆容和造型时，化妆师应充分利用色彩的错觉性来使演员的妆容达到完美的效果。例如在一些舞台剧的化妆设计中，化妆师通常会利用眼线和眼影的搭配效果来调整演员眼部的大小，或者通过面部的阴影描画来使演员的面部更加立体化等。舞台妆容不同于影视剧的妆容，在剧院中，观众席通常距离舞台有一定的距离，而为了突出演员的面部，化妆师就需要通过强烈的色彩对比来修饰演员的面容，以此来达到最佳的舞台效果。
3、服装色彩的运用。
对于舞台表演艺术来说，舞台服装就像是一块会动的颜色板，它需要被表演者穿在身上来展示出舞台剧的艺术魅力。好的舞台服装设计通常能使舞台的艺术审美得以充分展现，而一个好的舞台服装设计师，不仅要能够制作出适合舞台表演的服装，而且还要能使表演者在穿上这套服装时充分发挥出魅力，使台下观众感到身心愉悦。对于设计师来说，不同的服装色彩所表达出来的效果是不同的，为了使表演者的服装发挥出最大的效果，设计师们就应该合理地使用色彩这一重要舞台元素。色彩在服装设计中占有重要的地位，服装色彩的强弱能够很明显地表现出表演者所要表达的情绪和特质。例如红色代表自由奔放，蓝色代表包容温和、紫色代表神秘高贵等。合理搭配服装颜色，不仅能够激发出观众的情感，而且能够牢牢地吸引住观众的视线。色彩渲染了舞台的情感气氛，也创造出了各种类型的舞台角色，因此，在舞台的服装设计中，色彩的运用是非常重要的，设计师应该考虑到舞台剧本的内容和主题，并能通过不同的色彩表达来让观众明确区分不同人物的身份地位、生活习惯等基本资料。在运用色彩搭配服装时，设计师还应该注意色调与舞台布景的融洽性，不仅要均衡配色，而且要大胆地使用色彩创造线条给观众营造出强烈的视觉效果。如在舞台剧《智取威虎山》中，设计师就将暗色调和亮色调配合在一起使用，来表现主人公神勇的英雄形象，色调的合理搭配使演员在表演过程中富有了节奏感，也使服装和演员达到了一个贴合的效果。
4、灯光色彩的运用。
随着时代的进步和科技的快速发展，人们的审美需求也在不断的提高。在舞台表演艺术中，人们更希望欣赏到一些具有个性特色的灯光设计，在合理的灯光色彩运用下，观众的审美情感也能够获得一定程度的升华，所以，灯光色彩运用得好坏是舞美设计能否达到最佳艺术效果的重要标准。对于灯光师来说，灯光色调的强弱关系到了对舞台总体色彩的把握程度。柔和的光线可用来处理浪漫的舞台气氛，强烈的光线则可用来烘托紧张激烈的氛围。灯光色彩能够给人以美的享受，可赋予表演者极大的表现力，也给观众带来了好的心理体验。当前，灯光色彩的运用已经逐渐成为了舞台演出的常用技巧之一，色彩需要灯光的照亮，灯光也需要色彩的烘托，只有二者相互配合才能使舞台表演达到完美效果。对于色彩来说，邻近色彩的相似性容易影响到舞台表演，因为色调相近的色彩往往容易杂糅到一起，从而使表达目的变得模糊，界限变得不清晰。因此灯光师在设计灯光色彩时，不仅要注意色调的搭配，也要注意色调的变化，不同的灯光色彩能反映出不同时代的背景。例如一幕舞台剧中若需要体现新时代，就会大量使用类似于红色这种热烈奔放的颜色；而要演绎旧时代，通常就会使用青色这一类的暗色调来表现。除此之外，不同的灯光色彩也能够表现出不同的季节，如绿色代表着春天，黄色象征着秋天等。在现如今的舞台表演艺术中，已经有越来越多的灯光师喜欢用各种灯光色彩来体现和表达剧中人物的情感变化，所以，灯光色彩在舞美设计中的作用已经不可或缺，其强大的表现力，也使得舞台美术设计理念得到了更好地表达。
三、结语。
对于舞台美术设计来说，色彩运用的重要性不言自喻。其不仅能够在舞台上给观众提供一个直白的视觉感受，同时也赋予了舞台浓重的艺术特色，使舞台美术设计具有了丰富的艺术美感。色彩在渲染舞台气氛和突出表现人物形象时，通常能够起到推波助澜的巨大作用，因此，只有正确、合理地运用了色彩，才能使舞台的艺术设计达到最佳效果，给观众带来不同的审美感受。
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领导艺术论文领导艺术论文字
随着社会经济的迅速发展，人才作为一种可以增值的资源，在推动社会发展、提高生产力上起着至关重要的作用。从领导者角度出发，如何用好人、用对人，充分调动人才的工作积极性，则是领导者日常工作中必须考虑的问题之一。作为领导艺术中的一种，领导用人艺术是其选拔人才、使用人才的主要依据，同时也是做事成败的核心所在。换而言之，讲究用人艺术，能用人、会用人的领导者，才会胸襟开阔、不拘小节，以国家为重、人民利益为重，不计较个人得失，才会以包容之心，吸引广大贤能，才会真正重视和关心人才。
一.选“才”依据。
面对知识经济时代的迅速发展，人才与用人单位之间呈现出供大于求的局面，对此，如何选出“出类拔萃”的人才，主要取决于领导的选“才”依据，具体分析如下：
（一）爱才之心。
作为一名党员干部，在用人过程中，其根本前提在于具备一颗爱才之心，能够将党的事业与民族的千秋大业相联系，只有这样才能在用人中做到公正廉明、礼贤下士，吸引更多的人才为己所用。
（二）要知人善任。
作为领导用人艺术的最高境界，知人善任不仅关系着人才工作积极性的调动，同时还关系着下一步工作的顺利开展。领导者在“善任”前，首先要“知人”，即了解自己的部下、关心自己的部下，对他们的特长及工作能力做出科学、准确的评估，同时结合着岗位需求，对其进行合理安排，以此来达到事半功倍的效果。
（三）要有容才之量。
领导在选拨人才的过程中，应须知用才不易、容才更难的道理。任何一个人才都有自己的优缺点，优缺点的突出是成正比的。作为一名领导者，在用人时除了站在各个角度接纳不同的人才外，还要对不同性格的人才采取与之相符的领导方法，这就要求领导者要有海纳百川的胸怀，有求才若渴的意识，善于营造一种才尽其用、宽松和谐的环境，一种干事成事的氛围，团结一致，共同前进。
（四）要注重育人。
领导者要注重培养、教育现有的人才和潜在的人才。通过授权、增加工作难度、设定较高目标，给下属提供一个锻炼、施展才华的机会，可以增进下属的才干，有利于培养干部；通过重用年轻人，在他们身上适当压担子，使他们在实践中得到锻炼，早日脱颖而出。
（五）有效激励。
在调动下属员工工作积极性的过程中，有效的激励起着直接作用。一般来讲，在常用的激励方式中，可以将其分为精神激励与物质激励两大类，在实际应用中，精神激励与物质激励应呈现出相辅相成的关系，领导者要将二者有机的结合，才能充分调动员工的积极性、能动性与创造性，从而最大限度的发挥人才的能力与潜能。
（六）适当的表扬和批评。
表扬和批评运用的好，就能起到“表扬一个人，鼓舞一大批；批评一个人，教育一大片”的作用。运用的不好，就变成了“表扬一个人，打击一大批；批评一个人，灰心一大片”的作用。可见，正确运用表扬和批评艺术是非常重要的。这就需要领导者多动脑思考，注意表扬和批评的方式、方法、时机、对象、场合和环境，并发挥语言艺术，巧妙地进行批评和表扬。
二.用“才”艺术。
（一）选贤任能的艺术。
面对高等教育的不断普及，现代社会中人才济济、卧虎藏龙，领导者如何第一时间发掘这些人才，则需要具备选贤任能的用人艺术。首先，在日常工作中，要加强与下属员工的沟通，在了解其生活及工作状况后“知人善任”，在达到用人目的的'同时，还能有效的提高工作效率。
（二）用人之长的艺术。
清代诗人顾嗣协说：“骏马能历险，犁田不如牛；坚车能载重，渡河不如舟；舍长以求短，智者难为谋；生材贵适用，慎勿多苛求。”意思是只有用人之长，量才适用，才能发挥人的最佳效能。领导在用人时，应明确用人的核心在于“量才录用，取其所长，避其所短”，结合着人才的优势与岗位需求，将人才安排在合适的岗位上，真正做到因事择人、事得其人，只有这样才能做到“人尽其才，才尽其用，事尽其功，将能而君不御者胜”的目的，在充分调动人才工作积极性、创造性的同时，还能避免人才的浪费，达到人尽其才的目的。
（三）用人不疑，疑人不用的艺术。
任何一名员工在开展工作时，都希望得到领导的认可与信任。而领导在使用人才时，也要充分信任自己选拨的人才，真正做到以诚待人、推心置腹，以此来换取同舟共济、肝胆相照、共同进取。另一方面，古人常说“士为知己者死，才为知己者用”，从员工角度来看，领导的认可与信任，不仅能让自己的自尊得到满足，同时还能最大限度的发挥自己的聪明才智及工作积极性，在提高自己工作效率的同时，还能最大限度的实现自己的人生价值。纵观人类用人史，凡是豁达、高明的领导者，在开创一代盛世的过程中，都能做到“用人不疑，疑人不用”，领导在用人方面，也应如此。
（四）合理授权的艺术。
依据我国党章原则，任何党员干部在工作中，在没有经过集体讨论之前，是没有权利对其管辖范围内的重大问题做出处理决定，即便是在实行首长负责制的政府机构和企事业单位，领导人员也应结合着事件的大小，积极征询、搜集同级干部及下级人员的意见，在综合考虑后作出决断，避免个人专断的现象出现。然而针对一些紧急状况，在特殊条件下，需要领导授权给员工，使其能够面对突然问题时，第一时间做出决断，避免问题的扩大化。这就要求领导在授权时，能够处以公心，确保领导与下属员工的共同利益趋于一致，在明确各自责权的基础上，本着完成工作得原则，相互信任、彼此配合，最大限度的发挥自己的优势。与此同时，领导人员还应结合着下属的实际能力，对所有干部的综合工作能力进行科学分析与定期考察，在提高下属人员工作能力的同时，还能把适宜的权利与责任授予最合适的人选。这样做的目的优势主要体现在两个方面，首先，领导与员工在开展工作时，能够做到责、权、利分明，下属员工在具备一定权利后，能够增强自己的责任感与信息，工作效率可想而知；其次，可以把领导从杂务中解放出来，去考虑大政方针。这样，双方均可取长补短，相互促进。
总结：
综上所述，在体现领导高超的领导艺术时，其核心依据在于该领导是否精通用人之道、能慧眼识人的能力，只有具备这些能力，才能在众多人才中挑出真正为己所用的人才来辅助自己的工作。人才作为社会各个部门发展、前进的根本，这就要求领导者本着一切从实际出发的原则，从战略角度出发，最大限度的发挥全体员工的个人价值，使其能够积极的投入到今后的工作中。
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